15 Oct./out. | Friday/ sexta-feira | 3PM/ 15:00
Venue/Local: Faculdade de Motricidade Humana – Ed. Esteiros
VIDEO DANCE SHOWCASE EXTRA SESSION
MOSTRA DE VIDEODANÇA SESSÃO EXTRA
The Video Dance Showcase presents a selection of works for the screen in which dance is the protagonist. Short pieces, with a maximum of 8’, present different visions and personal perspectives of dance and video artists, selected among numerous proposals received by Quinzena de Dança de Almada. In this session, dedicated to the audience of FMH – University of Lisbon, we will present some work that reveals attention to social integration or result from the development of inclusive concepts.
TThe presentation of the videos will be followed by discussion with Professors Ana Macara, Luisa Roubaud, and guests Elena Lopez de Haro and Ana Caridade
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A Mostra de Videodança apresenta uma seleção de trabalhos para o ecrã em que a dança é protagonista. Peças curtas, com um máximo de 8’, apresentam visões distintas e perspetivas pessoais de artistas da dança e do vídeo, selecionados entre numerosas de propostas recebidas pela Quinzena de Dança de Almada. Nesta sessão, dedicada ao público da FMH da Universidade de Lisboa, apresentamos alguns trabalhos que revelam atenção à integração social, ou resultam do desenvolvimento de conceitos inclusivos.
A apresentação dos vídeos será seguida de discussão com as Professoras Ana Macara, Luisa Roubaud e as convidadas Elena Lopez de Haro e Ana Caridade.
DANZA SIN MIEDO,
Sol Dugatkin, María José Sormani, Lucila Raniolo and/e María Enríquez |AR/MX/CL|
Video Direction: Sol Dugatkin
Choreography: Sol Dugatkin, María José Sormani, Lucila Raniolo, María Enríquez
Dancers: María Enríquez, Lucila Raniolo, María José Sormani and Sol Dugatkin.
Music: Vivir Quintana, El Palomar, Colectivo Mujeres Músicas de Rosario, Camila Latorre, Emilia Carvajal Álvarez and Camila Álvarez Inostroza.
Dance video entirely made with cell phone cameras, joining 4 dancers from 3 different latin american countries (Mexico, Argentina and Chile) and a total of almost 100 women (musicians, dancers, special participations, etc). The message is very strong, a video from women to women, to stop the violence that we live every single day, to demand justice and to say out loud “We will dance and shout for the ones that cannot anymore”.
Sol Dugatkin is an Argentinian professional contemporary dancer, now living in Santiago, Chile. She has been studying and working in different companies, projects, and pieces from independent choreographers in diverse countries around Latin America and Europe. Apart from dance she’s interested in other artistic areas like visual arts, audiovisual arts and theater. Recently, and due to the global situation, she started starring, creating, and directing some online pieces and dance videos, leaning specially towards this last category. She has a special motivation for making art that feels close and accessible to everyone with a preference in social and human issues, politics, feminism, and current events.
Duration: 5’14
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Realização: Sol Dugatkin
Coreografia: Sol Dugatkin, María José Sormani, Lucila Raniolo, María Enríquez
Intérpretes: María Enríquez, Lucila Raniolo, María José Sormani e Sol Dugatkin
Música: Vivir Quintana, El Palomar, Coletivo Mujeres Músicas de Rosario, Camila Latorre, Emilia Carvajal Álvarez e Camila Álvarez Inostroza.
Vídeo de dança feito inteiramente com câmeras de telemóvel, reunindo 4 bailarinas de 3 países latino-americanos (México, Argentina e Chile) e um total de quase 100 mulheres (da música, dança, participações especiais, etc). A mensagem é muito forte, um vídeo de mulher para mulher, para acabar com a violência que vivemos todos os dias, para exigir justiça e dizer em voz alta “Vamos dançar e gritar pelos que já não o podem fazer”.
Sol Dugatkin é bailarina contemporânea profissional argentina, agora residente em Santiago do Chile. Tem estudado e trabalhado em diferentes companhias, projetos e peças de coreógrafos independentes, em diversos países da América Latina e Europa. Além da dança, interessa-se por outras áreas artísticas como artes visuais, artes audiovisuais e teatro. Recentemente, e devido à conjuntura global, passou a protagonizar, criar e dirigir algumas peças online e vídeos de dança, inclinando-se especialmente para esta última categoria. Tem uma motivação especial para fazer arte que se sente próxima e acessível a todos, com preferência por questões sociais e humanas, política, feminismo e atualidade.
Duração: 5’14
EXIST
João Meirinhos and/e Diana Niepce |PT|
Concept and Artistic Direction: Diana Niepce
Performers: Diana Niepce, Bruno Freitas
Filmmaker: João Meirinhos
Assistant: Silvana Ivaldi
Acknowledgements: André Tavares Marçal, Joaquim Gouveia, Jonny Kadaver, Tania Guerreiro
“I’m interested in working in the quiet place of memory. I exist in the obsession of understanding the mystery of the body.
I understood the importance of writing in my language. Although, sometimes feel lost in a desert in Siberia, it is this that allows me to understand the body. As if through this collection of essays is closer to his true identity.
I want to show what no one wants to say. I want to find this secret place of the body, and through the video device, expose it intimately. I want to create in the others the friction that exists in me.”
Diana Niepce
Diana Niepce is a dancer, choreographer and writer. She graduated from Escola Superior de Dança, studied Erasmus at Teatterikorkeakoulun (in Helsinki), finished a postgraduate degree in Art and Communication at Universidade Nova de Lisboa, completed the CPGAE training at Forum Dança and is also a qualified teacher of hatha-yoga.
João Meirinhos has a degree in Communication Sciences, film variant, from FCSH-UNL (2007) and a master’s degree in Visual Anthropology from the University of Manchester (2013). After working in the Portuguese advertising industry, in the summer of 2008 he decided to go looking for new questions. This path went on autopilot and has already led him to live in Bologna, Barcelona, Tallinn and Hong Kong. In 2011 he visited 22 countries and was an international volunteer for the Italian NGO Bambini Nel Deserto. With them he set up the Cinéma du Désert – a nomadic cinema that runs on solar energy and travels long distances over land in a truck showing free movies in the most unexpected villages on the planet – a project that has already taken him from Mongolia to Ivory Coast.
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Conceito e Direção Artística: Diana Niepce
Interpretação: Diana Niepce, Bruno Freitas
Realização: João Meirinhos
Assistente: Silvana Ivaldi
Agradecimentos: André Tavares Marçal, Joaquim Gouveia, Jonny Kadaver, Tania Guerreiro
“I’m interested in working in the quiet place of memory. I exist in the obsession of understanding the mystery of the body.
I understood the importance of writing in my language. Although, sometimes feel lost in a desert in Siberia, it is this that allows me to understand the body. As if through this collection of essays is closer to his true identity.
I want to show what no one wants to say. I want to find this secret place of the body, and through the video device, expose it intimately. I want to create in the others the friction that exists in me.”
Diana Niepce
Diana Niepce é bailarina, coreógrafa e escritora. Formou-se na Escola Superior de Dança, fez Erasmus na Teatterikorkeakoulun (em Helsínquia), fez uma pós-graduação em Arte e Comunicação na Universidade Nova de Lisboa, completou a formação CPGAE do Forum Dança e é também professora habilitada de hatha-yoga.
João Meirinhos é licenciado em Ciências da Comunicação, variante de cinema pela FCSH-UNL (2007) e mestre em Antropologia Visual pela Universidade de Manchester (2013). Após trabalhar na indústria publicitária portuguesa, no Verão de 2008 decide partir à procura de novas perguntas. Esse caminho entrou em piloto automático e já o levou a viver em Bologna, Barcelona, Tallinn e Hong Kong. Em 2011 visitou 22 países e foi voluntário internacional pela ONG italiana Bambini Nel Deserto. Com eles montou o Cinéma du Désert – um cinema nómada que funciona a energia solar e viajam longas distâncias, por terra, dentro de um camião a mostrar filmes de graça nas aldeias mais imprevistas do planeta – projeto que já o levou da Mongólia à Costa do Marfim.
Duração: 7’50
CENTO E TRINTA E DUAS FIGURAS CORPÓREAS COMO MEDIAÇÕES SÍGNICAS
Tales Frey |PT/BR|
Direction and choreography: Tales Frey
The bodies featured in the video form an intertwined set of signs, which can hardly be analyzed in a singular way, since the tangle of hybrid physicalities mix people with adornments/garments in a structure in which we do not know to whom a voice really belongs to; nor are we able to intuit, for sure, which place a certain domestic noise comes from, as the environments are almost identical in white tones. Instructed, eleven performers elaborated twelve different corporeal figures each, totaling one hundred and thirty-two physical structures and, although we clearly see that they are separate bodies that come together, once together, we do not decipher them separately.
Tales Frey is a transdisciplinary artist represented by Galeria Verve in São Paulo. He lives and works between Brazil and Portugal. He creates works supported by both visual and scenic arts, located at the intersection between performance, video, photography, objects, adornment / clothing and instruction. The body and performativity are themes of speculation both in his practical creations and in his academic research. Graduated in Performing Arts – Theater Direction by UFRJ, Master’s in Theory and Criticism of Art by University of Porto, Ph.D. in Theater and Performance Studies by University of Coimbra and currently pursuing a post-doctorate in Arts by University of Minho, being invited to join the Research Group in Artistic Studies as a senior researcher at the latter institution. He has presented his work at various national and international events and institutions. Among them: SESC in Brazil, The Kitchen and Sattelite Art Show in New York, Musée des Abattoirs in Toulouse in France, MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma, Municipal Art Center Helio Oiticica in Rio de Janeiro, BienalSur in Buenos Aires , Akureyri Art Museum in Iceland, TSB Bank Wallace Arts Center in Auckland, New Zealand, Labirynt Gallery in Poland, Defibrillator Gallery in Chicago, Galleria Moitre in Turin, Kuala Lumpur 7th Triennial – Barricade in Malaysia, The Biennial 6th Bangkok Experimental Film Festival in Thailand, among others. Some of his works are permanently in public and private collections, among them: Serralves Museum and Bienal de Cerveira Museum in Portugal, MUNTREF in Buenos Aires, João Nasser Pinacoteca, MAC Niterói, MAM RJ and MAC USP in Brazil.
Duration: 2’48
Website: https://performatus.com.br
http://www.ciaexcessos.com.br
https://www.instagram.com/talesfrey/
http://ciaexcessos.com.br/tales-frey/
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Realização e coreografia: Tales Frey
Os corpos comparecidos no vídeo formam um conjunto entrelaçado de colagens de signos, dificilmente podendo ser analisados de modo singular, uma vez que o emaranhado das fisicalidades híbridas misturam pessoas com adornos/indumentos numa estrutura na qual não sabemos a quem uma voz pertence realmente e tampouco conseguimos intuir ao certo de que lugar provém um determinado ruído doméstico, pois os ambientes são quase idênticos em tonalidades brancas. Instruídos, onze performers elaboraram doze diferentes figuras corpóreas cada, totalizando cento e trinta e duas estruturas físicas e, embora vejamos claramente que são corpos separados que se juntam, uma vez juntos, não os deciframos separados.
Tales Frey é artista transdisciplinar representado pela Galeria Verve de São Paulo. Vive e trabalha entre o Brasil e Portugal. Realiza obras amparadas tanto pelas artes visuais como cénicas, situadas no cruzamento entre a performance, o vídeo, a fotografia, o objeto, o adorno/indumento e a instrução. O corpo e a performatividade são motes de especulação tanto nas suas criações práticas como nas suas pesquisas académicas. Tem graduação em Artes Cénicas – Direção Teatral pela UFRJ, mestrado em Teoria e Crítica da Arte pela Universidade do Porto, doutorado em Estudos Teatrais e Performativos pela Universidade de Coimbra e cursa pós-doutorado em Artes pela Universidade do Minho, sendo convidado para integrar o Grupo de Investigação em Estudos Artísticos como pesquisador sénior nesta última instituição. Tem apresentado seus trabalhos em diversos eventos e instituições nacionais e internacionais. Dentre eles: SESC no Brasil, The Kitchen e Sattelite Art Show em Nova York, Musée des Abattoirs em Toulouse na França, MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma, Centro Municipal de Arte Helio Oiticica no Rio de Janeiro, BienalSur em Buenos Aires, Akureyri Art Museum na Islândia, TSB Bank Wallace Arts Centre em Auckland na Nova Zelândia, Galeria Labirynt na Polônia, Defibrillator Gallery em Chicago, Galleria Moitre em Turim, Kuala Lumpur 7th Triennial – Barricade na Malásia, The Biennial 6th Bangkok Experimental Film Festival na Tailândia, entre outros. Alguns de seus trabalhos integram permanentemente acervos públicos e privados, dentre eles: Museu Serralves e Museu Bienal de Cerveira em Portugal, MUNTREF em Buenos Aires, Pinacoteca João Nasser, MAC Niterói, MAM RJ e MAC USP no Brasil.
Duração: 2’48
Website: https://performatus.com.br
http://www.ciaexcessos.com.br
https://www.instagram.com/talesfrey/
http://ciaexcessos.com.br/tales-frey/
MY HANDS…MY HEART
Framework Lab and/e Ana Caridade |PT|
Video Direction: Framework Lab
Artistic Direction and Choreography: Ana Caridade
Design: HMDesign
The hands and arms are the extension of the heart… and our gestures can lead to violence and maltreatment, but also to the affection and acceptance of the other. What do we choose? What causes me and causes others around me is a simple gesture… a chain of violence and the same chain that transforms into love. Know and recognize to create limits…
Framework Lab has over 7 years of experience in audiovisual content production, having participated in numerous projects. The contents produced to date are quite diverse, ranging from documentary recording to the production of promotional videos. In this domain, the Framework Lab team has highly trained collaborators specialized in the production of innovative multimedia content, with a strong visual and narrative direction.
Ana Caridade begins her artistic training at the age of 5 with music lessons. She also tried ballet, but at an early age she was looking for other languages for her body expression. The encounter with her body took place through various means, from yoga, to dance, to theater and later to oral narration where she merges the various expressions she has been studying along her path. After years of study and experiences as an interpreter, she began her journey as a teacher. Dance in a school context was her choice to be able to provide opportunities for those who otherwise would not have them. She created a group of children and young people, Ruídos, of which she was coordinator for approximately 10 years. She dynamised the villages of Vila de Ronfe, Brito and Joane at an artistic and cultural level, developing dance with the community. In a school context, she also creates an inclusive dance project that she has been developing for two decades. Since 2013 she has been dedicated to inclusive dance with young people and adults, having worked in artistic residency, regular classes and preparation of presentations with CERCI Braga, Centro Novais e Sousa, Pais em Rede, CLIB, CERCIgui. In 2018 she becomes artistic director of CERCI Braga with which she develops several inclusive projects in the community. She is currently artistic director of CERCI Braga and the InPulsar project in partnership with CIM do Cávado, covering 6 municipalities.
Duration: 8’
Website: http://www.mo-sai-co.pt/
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Realização: Framework Lab
Direção Artística e Coreografia: Ana Caridade
Design: HMDesign
As mãos e os braços são extensão do coração… e nossos gestos podem levar à violência e aos maus-tratos, mas também ao afeto e à aceitação do outro. Que escolhemos? O que me causa e causa aos outros ao meu redor é um simples gesto… uma cadeia de violência e a mesma cadeia que se transforma em amor. Conheça e reconheça para criar limites…
A Framework Lab tem uma experiência acumulada na produção de conteúdos audiovisuais com mais de 7 anos, tendo participado em inúmeros projetos. Os conteúdos produzidos até à data são bastante diversificados, indo do registo documental até à produção de vídeos promocionais. Neste domínio, a equipa da Framework Lab conta com colaboradores altamente formados e especializados na produção de conteúdos multimédia inovadores, com uma forte direção visual e narrativa.
Ana Caridade inicia a sua formação artística aos 5 anos com aulas de música. Experimenta na mesma altura dança clássica, mas já em tenra idade procurava outras linguagens para a sua expressão corporal. O encontro com o seu corpo deu-se através de vários meios, desde o yoga, à dança, ao teatro e mais tarde à narração oral onde funde as diversas expressões que foi estudando ao longo do seu percurso. Após anos de estudo e experiências como intérprete, inicia o seu percurso como professora. A dança em contexto escolar foi a sua opção para poder possibilitar oportunidades a quem de outra forma não as teria. Criou um grupo de crianças e jovens, Ruídos, do qual foi coordenadora aproximadamente 10 anos. Dinamizou a Vila de Ronfe, Brito e Joane a nível artístico e cultural desenvolvendo dança com a comunidade. Em contexto escolar, cria também um projeto de dança inclusiva que desenvolve durante duas décadas. Desde 2013 que se dedica à dança inclusiva com jovens e adultos, tendo trabalhado em regime de residência artística, aulas regulares e preparação de apresentações com a CERCI Braga, Centro Novais e Sousa, Pais em Rede, CLIB, CERCIgui. Em 2018 torna-se diretora artística da CERCI Braga com a qual desenvolve vários projetos inclusivos e com a comunidade.
Atualmente é diretora artística da CERCI Braga e do projeto InPulsar em parceria com a CIM do Cávado, abrangendo 6 municípios.
Duração: 8’
Website: http://www.mo-sai-co.pt/
THE BOOK RIOT,
Catarina Garcia and/e Günther Grollitsch |DE|
Video Direction: Catarina Garcia
Choreography: Günther Grollitsch
Books take center stage as a synonym for human activity. Thoughts, opinions and insights are manifested through them… but what happens if Pina Bausch has to stand next to Hans Kresnik? Cunningham next to Balanchine? What if the objects (i.e. books) disagree with this external order?
The project focuses further thoughts throughout the revolution of the books. Will they be able to win the “Law of Order”?
This movie was created in co-production with Deutsches Tanzfilminstitut Bremen.
Catarina Garcia is a Portuguese dancer and filmmaker, currently working with Deutsches Tanzfilminstitut Bremen (GER) in the most diverse film projects.
She started her dance studies at Escola Superior de Dança, Lisboa (PT) and later at MUK- Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien (AUS) through the Erasmus program. In January 2018 she moved to Porto where she took part in the intensive course FAICC-Advance Formation on Interpretation and Choreographic Creation. During her academic years she performed pieces by choreographers such as Daria Kaufman, Amélia Bentes, Mani Obeya, Esther Balfe, Georg Reischl, Helder Seabra and others. As a choreographer, Catarina Co-Created with Sofia Aires the piece Projecto Migratório, for the Festival Lá Fora, Evóra (PT).
Günther Grollitsch has been a dancer, choreographer and project developer for over 20 years. He studied cultural management (University of Zurich 2014), worked for the central artist agency of the Federal Employment Agency and for various associations in Bremen in the field of artist agency and application management. For tanzbar_bremen he develops new projects, formats and choreographs stage productions. He plans, organizes and processes the business areas of the association together with the project managers and takes care of the financing and application for the projects of tanzbar_bremen. Since 2009 he has curated and organized the Biennial Festival eigenARTig and created contacts, cooperation and connections with the national and international dance scene. Since his first dance collaboration with a mixed-abled team in Finland in 2001, Günther Grollitsch has been an advocate for inclusive dance. In his work, the focus is always on the skills and qualities of the participants, as well as the will to promote them, to challenge them and to consolidate them in professional artistic work with the help of the pieces that are created. He wants to strengthen a more just and diverse society.
Duration: 1’56
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Realização: Catarina Garcia
Coreografia: Günther Grollitsch
Os livros ocupam um lugar central como sinónimo de atividade humana. Através deles manifestam-se pensamentos, opiniões e ideias… mas o que acontece se Pina Bausch tiver de ficar ao lado de Hans Kresnik? Cunningham ao lado de Balanchine? E se os objectos (ou seja, os livros) discordarem desta ordem externa?
Este filme foi criado em coprodução com o Deutsches Tanzfilminstitut Bremen.
Catarina Garcia é bailarina e cineasta, portuguesa, actualmente a trabalhar com o Deutsches Tanzfilminstitut Bremen, nos mais diversos projectos cinematográficos. Começou os seus estudos de dança na Escola Superior de Dança, Lisboa (PT) e mais tarde na MUK- Musik und Kunst Privatuniversität der Stadt Wien (AUS) através do programa Erasmus. Em 2018 mudou-se para o Porto onde participou no curso intensivo FAICC-Advance Formation on Interpretation and Choreographic Creation. Durante os seus anos académicos realizou peças de coreógrafos como Daria Kaufman, Amélia Bentes, Mani Obeya, Esther Balfe, Georg Reischl, Helder Seabra e outros. Como coreógrafa, Catarina cocriou com Sofia Aires a peça Projecto Migratório, para o Festival Lá Fora, em Evóra (PT).
Günther Grollitsch é bailarino, coreógrafo e criador de projetos há mais de 20 anos. Estudou gestão cultural (Universidade de Zurique 2014), trabalhou para a agência artística central da Agência Federal de Emprego e para várias associações em Bremen na área do agenciamento artístico e gestão de projetos. Para a tanzbar_bremen, desenvolve novos projetos, formatos e coreografia. Planeia, organiza e processa as áreas de negócio da associação em conjunto com os gestores de projectos e encarrega-se do financiamento e candidatura dos projectos da tanzbar_bremen. Desde 2009 tem feito a curadoria e organizado o Festival Bienal eigenARTig e criou contactos, cooperação e ligações com a cena da dança nacional e internacional. Desde a sua primeira colaboração com uma equipa mista de dança na Finlândia em 2001, tem sido um defensor da dança inclusiva. No seu trabalho, o foco está sempre nas competências e qualidades dos participantes, bem como na vontade de os promover, de os desafiar e de consolidar o seu trabalho artístico profissional com a ajuda das peças que são criadas. Pretende fortalecer uma sociedade mais justa e diversificada.
Duração: 1’56
DE LA SEMILLA AL ARTE
Susan Pérez and/ e Elena López de Haro |ES|
Direction: Susan Pérez
Choreography: Elena López de Haro
Seeding.
Seed.
The silent seed and its secret
hiding in the solitary silo.
The silent seed
whispers in the silo.
A resounding silence
inhabits its solitude.
Seeding.
Seed.
Harvest.
Sow the seeds.
Harvest the seeding.
To be.
To sense.
Sweat.
Sow sensations.
Feeling the absurd.
Reaping the silence.
loneliness sweat
The sibilant silence of the silo
whispers the soul
between dry seeds.
Winding silence. Sustained
silence.
Only.
Honest.
Tilted
sigh.
by Elena Alfonso
This video dance was performed to integrate the inauguration of the Triguera de Olivença project by Contenedores de Arte. “DE LA SEMILLA AL ART” was an Artistic Action proposed by the Huellas II Laboratory in Badajoz, and promoted by Elena López de Haro, who focuses her research on the relationship between the corporeal, the creative and the environment, promoting the spirit in this process of collective creation, typical of laboratory. The video dance was recorded in the architectural space of La Triguera (ancient abandoned silo), and performed by members of the Huellas II Laboratory (Experiencia Danza association). Those who participate in our association’s courses and workshops-laboratories are people with a very diverse personal and professional background, often mixing amateur and professional performers; at the same time, the investigation of bringing Dance, poetic movement and other forms of expression, outside the rooms, to intervene in public spaces through actions or bodily performances, has become an important motor for our initiatives.
Susan Pérez was born in Barcelona in 1981 but since childhood she moved to Badajoz, where she currently lives. She combined her Documentation studies with photography. She worked in radio and television. In 2005 she entered the world of short film and advertising. In 2012 she started her more artistic vision, participating in art fairs and exhibiting her photographic work (Reb / Veiladas, Semblanzas Cervantinas, El color del cuerpo …). She has already won several photography awards, highlighting the artistic project In-Transit created for Foro_sur_Cáceres_12 with her partner Teresa Benítez. In 2015, she joined Experiencia Danza, first as a participant and then as a photo and video content creator for the association. She currently works as a web designer and does photo and video reporting.
Elena López de Haro (Badajoz, 1970) has been involved with the knowledge and practice of sport and expressive movement, from a very young age. She later evolved into Contemporary Dance, performance languages and also Somatic Education. Her work as a dancer and educator is linked to Asociación Experiencia Danza (2002), of which she is co-founder, and through which she promotes different initiatives both in her city, Badajoz, and abroad, establishing collaborations with other entities and with projects and artists from various disciplines.
Duration: 6’16’’
Website: www.experiencedanza.com
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Realização: Susan Pérez
Coreografia: Elena López de Haro
Semeadura.
Semente.
A semente silenciosa e seu segredo
escondem-se no silo solitário.
A semente silenciosa,
sussurros no silo.
Um silêncio retumbante
habita a sua solidão.
Semeadura.
Semente.
Colheita.
Semeie as sementes.
Colher a semeadura.
Estar.
Sentir.
Suor.
Semeie sensações.
Sentindo um absurdo.
Colhendo o silêncio.
Suor solidão
O silêncio sibilante do silo
sussurra a alma
entre sementes secas.
Silêncio sinuoso. Silêncio
sustentado.
Somente.
Sincero.
Inclinado
suspirar.
de Elena Alfonso
Esta videodança foi realizada para integrar a inauguração do projeto Triguera de Olivença dos Contenedores de Arte. “Da Semente à Arte” foi uma Acção Artística proposta pelo Laboratório Huellas II de Badajoz, e promovida por Elena López de Haro, que centra o seu trabalho de investigação na relação entre o corpóreo, o criativo e o ambiente, promovendo neste processo o espírito de criação coletiva, típica do sentido laboratorial. A Videodança foi gravada no espaço arquitetónico de La Triguera (antigo silo abandonado), realizada por Susan Pérez Fotografía e com os demais integrantes do Laboratório Huellas II (associação Experiencia Danza). Quem participa nos cursos e workshops-laboratórios da nossa associação são pessoas com uma formação pessoal e profissional muito diversa, misturando em muitas ocasiões amadores e profissionais; ao mesmo tempo, a investigação de levar a Dança, o movimento poético e outras formas de expressão, fora das salas, para intervir nos espaços públicos através de ações ou performances corporais, tornou-se um importante motor das nossas iniciativas.
Susan Pérez nasceu em Barcelona em 1981 mas desde criança mudou-se para Badajoz e é onde vive atualmente. Combinou seus estudos de Documentação com a fotografia. Trabalhou em diferentes meios de rádio e televisão. Em 2005 entrou no mundo da curta-metragem e da publicidade. Em 2012 iniciou a sua visão mais artística, participando em feiras de arte e exibindo os seus trabalhos fotográficos (Reb/veladas, Semblanzas Cervantinas, El color del cuerpo …).
Já ganhou vários prémios de fotografia, com destaque para o projeto artístico In-Transit criado para Foro_sur_Cáceres_12 com sua parceira Teresa Benítez.
Em 2015, ingressou na Experiencia Danza, primeiro como participante e depois como criadora de conteúdo fotográfico e de vídeo para a associação. Atualmente trabalha como web designer e faz reportagens fotográficas e de vídeo.
Elena López de Haro (Badajoz, 1970) está envolvida desde muito jovem com o conhecimento e a prática do desporto e do movimento expressivo, e posteriormente evoluiu para a Dança Contemporânea, as linguagens performáticas e também a Educação Somática.
Os seus trabalhos como bailarina e pedagoga estão ligados à Asociación Experiencia Danza (2002), da qual é cofundadora, e através da qual promove diferentes iniciativas tanto na sua cidade, Badajoz, como fora dela, estabelecendo colaborações com outras entidades e com projetos e artistas de várias disciplinas.
Duração: 6’16’’
Website: www.experienciadanza.com
OEDIPUS’ GAME
Luis Manuel Fernández and/ e Alfredo Miralles |ES|
Direction: Luis Manuel Fernández and Alfredo Miralles
Choreography: Alfredo Miralles
And when you think about killing your father?
In this “Oedipus’ game”, two dancers face gender roles. The heteronormative patriarchal society we have inherited not only affects the role of women (obviously impaired), but also men have a yoke, albeit perhaps more subtle. Nobody is safe. Through the myth of Oedipus, the most famous parricide in history, this video features a man struggling to kill “his father” to conquer his own identity.
OEDIPUS’ GAME received first prize for a Short Film at the Bacos Contemporary Art Biennial (Tenerife, 2016).
Luis Manuel Fernández is a doctoral candidate in Social Communication at the CEU San Pablo University. He completed his Master’s Degree in Documentary Reporting and Transmedia at the Carlos III University of Madrid and at the Instituto Radio Televisión Española (2015). Graduated in Audiovisual Communication (2014) and Journalism (2013) at CEU San Pablo University (2013). He is currently a contributor to ABC newspaper.
Alfredo Miralles (Madrid, 1987) is a cultural manager, teacher and creator. He has been working since 2009 at the Aula de las Artes at the Carlos III University of Madrid (UC3M), where he created and directs the Art and Science Platform, which aims to create spaces for interdisciplinary dialogue that include dance, technology and cinema, among others. It incorporates the creation of videos in the pedagogical processes in which he participates at the university. In this context, he launched a documentary on site-specific dance, Post Nubila (First prize at the Bacos San Miguel Contemporary Art Biennial, finalist at the Fiver Festival, screenings in Bolivia, Argentina, Chile, Mexico and India) – and choreographed the feature film You Are Mythical (Audience Award at the Los Angeles Art Film Festival, Best International Feature Film Award at the Borobudur Film Festival in Indonesia, with screenings in Ecuador, Greece, India and Jordan). He also carries out micro-creations as a way of conveying content in the workshops he gives to teenagers and in his scientific dissemination work.
Duration: 4’22’’
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Realização: Luis Manuel Fernández e Alfredo Miralles
Coreografia: Alfredo Miralles
E quando se pensa em matar o pai?
Neste “jogo de Édipo”, dois bailarinos enfrentam papéis de género. A sociedade patriarcal heteronormativa que herdámos não afeta apenas o papel das mulheres (obviamente prejudicadas), mas também os homens têm um jugo, embora talvez mais sutil. Ninguém está a salvo. Através do mito de Édipo, o parricídio mais famoso da história, este vídeo apresenta um homem em luta para matar “o pai” para conquistar a sua própria identidade.
OEDIPUS’ GAME recebeu o primeiro prémio de Curta Metragem na Bienal de Arte Contemporânea Bacos (Tenerife, 2016).
Luis Manuel Fernández é doutorando em Comunicação Social pela Universidade CEU San Pablo. Concluiu mestrado em Reportagem Documental e Transmídia pela Universidade Carlos III de Madrid e pelo Instituto Radio Televisión Española (2015). Possui graduação em Comunicação Audiovisual (2014) e Jornalismo (2013) na Universidade CEU San Pablo (2013). Atualmente é colaborador do jornal ABC.
Alfredo Miralles (Madrid, 1987) é gestor cultural, professor e criador. Trabalha desde 2009 na Aula de las Artes da Universidade Carlos III de Madrid (UC3M), onde criou e dirige a Plataforma de Arte e Ciência, que visa a criação de espaços de diálogo interdisciplinar que incluem dança, tecnologia e cinema, entre outros. Incorpora a criação de vídeos nos processos pedagógicos em que participa na universidade. Nesse contexto, lançou um documentário sobre dança site-specific, Post Nubila (Primeiro prémio na Bienal de Arte Contemporânea Bacos San Miguel, finalista no Fiver Festival, exibições na Bolívia, Argentina, Chile, México e Índia) – e coreografou o longa-metragem internacional You Are Mythical (Prémio do Público no Festival de Cinema de Arte de Los Angeles, Prémio de Melhor Longa-Metragem Internacional no Festival de Cinema de Borobudur na Indonésia, com exibição no Equador, Grécia, Índia e Jordânia). Também realiza micro-criações como forma de veicular conteúdos nas oficinas que ministra aos adolescentes e em seus trabalhos de divulgação científica.
Duração: 4’22’’
CARDS ON THE TABLE,
Martin Angiuli and/e Greta Dato |DE|
Video Direction: Martin Angiuli
Choreography: Greta Dato
Performance: Greta Dato, Martin Angiuli
Camera/Lights: Navid Mirzazadeh
2nd Camera/Scenography: Siry-Kaya Viguiè
Music: How Can You Mend a Broken Heart – Al Green
Location: Ayouva Island
Everything is asleep, except for that apartment.
Why are those people still awake? What is happening in that room?
In that building every night a window lights up and it’s the only one to come alive and two people, two lovers, sit in the kitchen facing each other. Their minds are crowded, each one living its own reality, driven by insecurities and laughter, frustrations, and joys. Thus, they lay their cards on the table confronting themselves and trying, perhaps, to reconnect.
We are spectators and protagonists of this daily scene.
This is one of the many stories that happen in every moment in every apartment, this is the one we want to tell you.
What will yours be?
Martin Angiuli was born in Brindisi, Puglia, Italy, in 1992. At 6 he started studying breakdance, hip hop and funk, then ballet, modern and contemporary. He graduated in Besobrasova Ballet Method in Princess Grace Academy and in RAD Ballet Method (Royal Academy of Dance). He took part in a postgraduate course for 2 years in “Balletto di Toscana” in Florence directed by Cristina Bozzolini, ex-director of Ater Balletto and he became a member of “Junior Company Balletto di Toscana”. From 2017/19 he was a member of Hessisches Staatsballet Wiesbaden/Darmstadt working with many international choreographers. From summer 2019 he is freelancing with many companies and projects: Berlin and Nuremberg in “Don Juan Techno Club” with Fukiko Takase; Erfurt and Weimar with “Tanztheater Erfurt” directed by Ester Ambrosino; with “Theatre Nordhausen” directed by Ivan Alboresi. In 2020 he collaborated with “Theatre Dortmund” together with Maria Pyatkova on a research about technology, time and dance. He keeps on collaborating with “Tanztheater Erfurt”, starts a new collaboration with “Tanztheater Erdmann-Rajski” and becomes an assistant to choreography and dramaturgy for “Elsewhere Company”. In 2021 he’s working on a new creation with Petra Serhal between Germany and Lebanon.
Greta Dato, born in Biella, Italy, became an Italian champion in salsa, merengue and mambo at the age of nine before completing her training in classical and contemporary dance at the Academy “MAS“ in Milan and from 2010 at “Balletto di Toscana“. At the age of eighteen she signed her first contract with the “Balletto di Milano“ before moving on to the “Arena di Verona“ and later to the “Staatstheater Cottbus” in Germany, where she was engaged as a soloist from 2014 onwards. In 2015 she was nominated “Dancer of the year” by the magazine TANZ and in 2016 she received the “Max-Grünebaum-Prize”.
From the season 2017/2018 she is working with “Hessisches Staatsballett”directed by Bruno Heynderickx. She is performing pieces by Ohad Naharin, Sharon Eyal, Edward Clug, Bryan Arias, Alejandro Cerrudo, Tim Plegge, Jeroen Verbruggen, Katarzyna Kozielska. Currently she is collaborating with ConTrust Collective M.A. in the creation of a new performance.
Duration: 5’43
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Realização: Martin Angiuli
Coreografia: Greta Dato
Interpretação: Greta Dato, Martin Angiuli
Câmara/Luzes: Navid Mirzazadeh
2ª Câmara/Cenografia: Siry-Kaya Viguiè
Música: How Can You Mend a Broken Heart – Al Green
Localização: Ilha Ayouva
Está tudo adormecido, excepto naquele apartamento.
Porque é que aquelas pessoas ainda estão acordadas? O que estará a acontecer naquela sala?
Naquele edifício, todas as noites se acende uma janela, é o único a ganhar vida, e duas pessoas, dois amantes, sentam-se na cozinha de frente um para o outro. As suas mentes estão apinhadas, cada um vivendo a sua própria realidade, movidos por inseguranças e risos, frustrações e alegrias. Assim, põem as suas cartas sobre a mesa, confrontando-se e tentando, talvez, reconectar-se.
Nós somos espectadores e protagonistas desta cena diária.
Esta é uma das muitas histórias que acontecem em cada momento em cada apartamento, e é a que vos queremos contar.
Qual será a sua?
Martin Angiuli nasceu em Brindisi, Puglia, Itália, em 1992. Aos 6 anos, começou a estudar breakdance, hip hop e funk, depois dança clássica, moderna e contemporânea. Licenciou-se no Método Besobrasova Ballet na Princess Grace Academy e no Método RAD (Royal Academy of Dance). Participou num curso de pós-graduação durante 2 anos no “Balletto di Toscana” em Florença dirigido por Cristina Bozzolini, ex-directora da Ater Balletto e tornou-se membro da “Junior Company Balletto di Toscana”. Desde 2017/19 é membro da Hessisches Staatsballet Wiesbaden/Darmstadt, trabalhando com muitos coreógrafos internacionais. Desde o Verão de 2019 é freelancer com muitas companhias e projectos; Berlim e Nuremberga no “Don Juan Techno Club” com Fukiko Takase; Erfurt e Weimar com “Tanztheater Erfurt” dirigido por Ester Ambrosino; com “Theatre Nordhausen” dirigido por Ivan Alboresi. Em 2020 colaborou com “Theatre Dortmund” juntamente com Maria Pyatkova numa pesquisa sobre tecnologia, tempo e dança. Continua a colaborar com “Tanztheater Erfurt”, inicia uma nova colaboração com “Tanztheater Erdmann-Rajski” e torna-se assistente de coreografia e dramaturgia para “Elsewhere Company”. Em 2021 está a trabalhar numa nova criação com Petra Serhal entre a Alemanha e o Líbano.
Greta Dato, nascida em Biella, Itália, tornou-se campeã italiana em salsa, merengue e mambo aos nove anos de idade antes de completar a sua formação em dança clássica e contemporânea na Academia “MAS” em Milão e a partir de 2010 no “Balletto di Toscana”. Aos dezoito anos, assinou o seu primeiro contrato com o “Balletto di Milano” antes de passar para a “Arena di Verona” e mais tarde para o “Staatstheater Cottbus” na Alemanha, onde foi contratada como solista a partir de 2014. Em 2015 foi nomeada “Bailarina do Ano” pela revista TANZ e em 2016 recebeu o “Max-Grünebaum-Prize”.
A partir da temporada 2017/2018 trabalha com “Hessisches Staatsballett” dirigida por Bruno Heynderickx. Atua com peças de Ohad Naharin, Sharon Eyal, Edward Clug, Bryan Arias, Alejandro Cerrudo, Tim Plegge, Jeroen Verbruggen, Katarzyna Kozielska. Atualmente está a colaborar com a ConTrust Collective M.A. na criação de uma nova performance.
Duração: 5’43
RUANG,
Belén Vega |CL|
Direction: Belén Vega
Audiovisual Co-Direction: Diego Sánchez
Choreography: Belén Vega
Performance: Eric Alcota, Rodrigo Walker, Isadora Herrera
“Ruang”* is that space between you and the other(s). It is that unique place where the mystery of affection resides. It is the space where we invoke love, compassion and companionship. A sensitive parallel of great powers. The third space.
It is a world parallel to the world. A place of actions and feelings. A theatre of emotions where four inhabitants of this third space prepare themselves to live the new, an ineffable encounter.
“We are spectators of the communion offering our eagerness, curiosity and desire. Our dance is a constant ritual. And we move it, we water the space. We make poetry. We free ourselves. We learned to get here. Our place is between you and me.”
*RUANG Indonesian word for space.
Belén Vega Durán. Formal studies in dance performance at Escuela Moderna de Música y Danza and U. de las Américas. Training and research in performing arts: Training programmes “Contemporary Approaches for Stage Performance EM:FOCO – Contact Improvisation and Partnering” of Centro cultural Escénica en Movimiento (Bio-Bio. Chile) and Theoretical and Practical Research Programme of Choreographic Art PICPAC of the choreographer Luis Corvalán (Chile). Certified in Pilates for pregnant women. Corporal Researcher in Núcleo Arqueología del Gesto, Performer and Interpreter in Pseudonimo cia, Colectivx Ovarias, Núcleo Detonar. Experimentation and independent audiovisual creation Cinema Movimiento.
Diego Alejandro Sánchez Gallardo. Graduated in Social Communication, mention in Audiovisual Arts, Universidad Católica Andrés Bello, Ciudad Guayana. Commercial and artistic photographer, filmmaker in dance, Venezuelan, resident in Santiago de Chile. Co-founder of Camaleón Audiovisual. Producer of music videos and commercials, producer of El Doctor, nominated for best music video in the Ska category, Pepsi Music Awards.
Duration: 6’25
Website: www.camaleonaudiovisual.com
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Realização: Belén Vega
Codireção Audiovisual: Diego Sánchez
Coreografia: Belén Vega
Interpretação: Eric Alcota, Rodrigo Walker, Isadora Herrera
“Ruang “* é o espaço entre si e o(s) outro(s). É aquele lugar único onde reside o mistério do afecto. É o espaço onde invocamos o amor, a compaixão e o companheirismo. Um paralelo sensível de grandes poderes. O terceiro espaço.
É um mundo paralelo ao mundo. Um lugar de ações e sentimentos. Um teatro de emoções onde quatro habitantes deste terceiro espaço se preparam para viver o novo, um encontro inefável.
*Ruang – palavra indonésia para espaço.
Belén Vega Durán. Estudos formais como intérprete de dança na Escuela Moderna de Música y Danza e na Universidad de las Américas. Formação e investigação em Artes do Espectáculo no Programa de formação “Abordagens Contemporâneas para o Espectáculo EM:FOCO – Contacto-improvisação, do Centro Cultural Escénica en Movimiento (Bio-Bio, Chile) e Programa de Investigação Teórica e Prática de Arte Coreográfica PICPAC do coreógrafo Luis Corvalán (Chile). Certificado em Pilates para mulheres grávidas. Investigadora Corporal no Núcleo Arqueología del Gesto, performer em Pseudonimo cia, Colectivx Ovarias, Núcleo Detonar. Experimentação e criação audiovisual independente Cinema Movimiento.
Diego Alejandro Sánchez Gallardo. Licenciado em Comunicação Social, menção em Artes Audiovisuais, pela Universidade Católica Andrés Bello, Ciudad Guayana. Fotógrafo comercial e artístico, cineasta de dança, venezuelano, residente em Santiago do Chile. Cofundador da Camaleón Audiovisual. Produtor de vídeos musicais e comerciais, produtor de El Doctor, nomeado para o melhor vídeo musical na categoria Ska, Pepsi Music Awards.
Duração: 6’25
Website: www.camaleonaudiovisual.com
THE ELEVATOR BOX,
Marilena Grafakos, Celine Gallee, Fabio Kikaj, Hanna Mayer, Hannah Stoerzer and/e Anni Bork |DE|
Video Direction: Marilena Grafakos
Choreography/Performance: Celine Gallee, Fabio Kikaj, Hanna Mayer, Hannah Stoerzer, Anni Bork (improvisation from dancers)
Thanks to the Minkov Dance Academy in Winnenden Germany for the support.
During a difficult period of social distancing and psychological restraint one is bound to feel fear and isolation. Is there a way out or are we bound to be boxed in? Think and stay out of the box!
This dance film was a semi-finalist in Madras Film Festival and in 4th Dimension Film Festival.
Marilena Grafakos has appeared as a performer in musicals and dance shows in the US and Europe. She started her choreographic work as a student, when she wrote, directed/choreographed six of her own shows. She ended up in Stuttgart, Germany in 1995 to choreograph the “Inside Out” world tour of Culture Beat. From 1996-2002 she also served as the Artistic Director/Resident Choreographer of Manhattan Dance Company in Stuttgart. She created her independent company “Art in Motion”. In 2010 she choreographed the Thomas Gottschalk-hosted television show “Swinging Sixties” for ZDF. In 2013 the ensemble premiered the modern ballet “Saga” in Forum, Ludwigsburg and in 2014 “Twist or Diary?”. Since 2008 Marilena has been a dance professor at the Minkov Dance Academy in jazz dance and choreography. In 2012 and 2013 she choreographed at the State Opera Ballet in Russe, Bulgaria. She has been visiting India the last three years working with different dance companies. In 2019 her short dance film “Bedroom Stories” was officially selected at the Video Dance Festival in Almada in Portugal and at the Siliguri Short Film festival in India and lastly another short dance film of hers “The shower” was also selected at the Mobile dance Film Festival in New York. In 2020 Marilena choreographed for the artist “Morpheus” the song “Lautlos” with 3.300.000 views.
Duration: 3’47
Website: www.marilenagrafakos.com
www.mg-artinmotion.com
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Realização: Marilena Grafakos
Coreografia/Interpretação: Celine Gallee, Fabio Kikaj, Hanna Mayer, Hannah Stoerzer, Anni Bork (improvisação de bailarinos)
Agradecimento: Academia de Dança Minkov em Winnenden, Alemanha.
Durante um período difícil de distanciamento social e de contenção psicológica, não se pode deixar de sentir medo e isolamento. Existe uma saída ou estamos condenados a ser encaixotados? Pensa e não te metas na caixa!
Filme semifinalista no Madras Film Festival e no 4th Dimension Film Festival.
Marilena Grafakos começou como intérprete em espectáculos musicais e de dança nos EUA e na Europa. Iniciou o seu trabalho coreográfico como estudante, quando escreveu, realizou/ coreografou seis dos seus próprios espectáculos. Acabou em Estugarda, Alemanha, em 1995, a coreografar a digressão mundial “Inside Out” dos Culture Beat. Entre 1996-2002, foi também directora artística e coreógrafa residente da Manhattan Dance Company, em Estugarda. Criou a sua companhia independente “Art in Motion”. Em 2010 coreografou o programa televisivo Swinging Sixties for ZDF. Em 2013 estreou o “Saga” em Forum, Ludwigsburg e em 2014 “Twist or Diary?”. Desde 2008 Marilena é professora no Minkov Dance Academy em dança jazz e coreografia. Em 2012 e 2013 coreografou no Ballet da Ópera Estatal em Russe, Bulgária. Tem vindo a visitar a Índia nos últimos três anos, trabalhando com diferentes companhias de dança. Em 2019 a sua curta-metragem de dança “Bedroom Stories” foi oficialmente seleccionada no Festival de Dança de Vídeo em Almada em Portugal e no Festival de Curtas-Metragens Siliguri na Índia e, por último, outra curta-metragem de dança “The shower” foi também seleccionada no Festival de Cinema de Dança Móvel em Nova Iorque. Em 2020, Marilena coreografou para o artista Morpheus a canção “Lautlos” com mais de 4.000.000 de visualizações.
Duração: 3’47
Website: www.marilenagrafakos.com
www.mg-artinmotion.com
Duration/Duração: Aprox. 150′
Access reserved to the public of FMH – University of Lisbon/ Acesso é reservado ao público da FMH – Universidade de Lisboa