2 Oct./out. | 15:00
Venue/Local: Auditorium/Auditório Osvaldo Azinheira – Academia Almadense
Session II / Sessão II

Galvanize |GB|
Director, Choreographer and Performer: Akeim Toussaint Buck
Videographer: Adam Jaro
Sound: Otis Jones
Editor: Paul Shields
Producer: Ian Fenton
“Galvanize” is a short dance and poetry film combining spoken word, dance and portraiture to create a warm-hearted call for people to set aside their differences and celebrate the universal elements that unite all of us. Shot in Leeds City Centre, representing the diversity of the city, sending a message to the world. The film was made in response to the divisive fringes in society that we are all victims to, it is a rallying call to the masses. Made from support from Random Acts North in collaboration with channel 4, with funding from Arts Council England. Huge thanks to the people of Leeds making special appearances.
Akeim Toussaint Buck is a multifaceted performing artist, born in Jamaica and raised in England. He seeks to create moving, thought provoking yet accessible and free-spirited projects. Since graduating from Northern School of Contemporary Dance with a first-class hons BA in Performing Arts, Akeim has been involved in cross-disciplinary projects working with a wide range of artists. His focus as a maker and collaborator is to combine expressive skills such as dance, writing and poetry, beat-box, singing and acting through performance and telling new stories that reach beyond existing dance audiences. Since graduating, Akeim has worked on numerous projects with different artists and companies around the UK as a dancer, beatboxer, and actor. Recent successes include commissions by Yorkshire Dance Amplified, Northern School of Contemporary Dance and Spin Arts and NSCD.
www.toussainttomove.com
www.facebook.com/ToussaintToMove
Duration: 2’39”
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Realização, Coreografia e Interpretação: Akeim Toussaint Buck
Videografia: Adam Jaro
Som: Otis Jones
Edição: Paul Shields
Produção: Ian Fenton
“Galvanize” é um filme de dança e poesia que combina palavras faladas, dança e retrato, apelando a que as pessoas deixem de lado as suas diferenças e celebrem os elementos universais que os unem. Filmado no centro da cidade de Leeds, representando a diversidade da cidade, enviando uma mensagem ao mundo. O filme foi feito em resposta às margens divisivas da sociedade de que todos somos vítimas, e é uma invocação às massas. Feito com o apoio da Random Acts North em colaboração com o canal 4, com financiamento do Arts Council England. Um enorme agradecimento às pessoas de Leeds que têm aparições especiais.
Akeim Toussaint Buck é um artista performático multifacetado, nascido na Jamaica e criado na Inglaterra. Procura criar projetos comoventes, instigantes, porém acessíveis e de espírito livre. Desde que se formou na Northern School of Contemporary Dance com um bacharelato em Artes Cénicas, Akeim esteve envolvido em projetos interdisciplinares, trabalhando com uma grande variedade de artistas. O seu foco como criador e colaborador é combinar habilidades expressivas, como dança, escrita e poesia, beat-box, canto e atuação através da performance, e contar novas histórias que vão além do público de dança. Desde que se formou, Akeim trabalhou em vários projetos com diferentes artistas e empresas em todo o Reino Unido como bailarino, beatboxer e ator. Sucessos recentes incluem comissões da Yorkshire Dance Amplified, Escola do Norte de Dança Contemporânea e Artes Spin e NSCD.
www.toussainttomove.com
www.facebook.com/ToussaintToMove
Duração: 2’39”

Maids |AR|
Director: Sofía Castro
Choreographer and Performer: Julieta Ferraro
Producer: Delfina Cocciardi
Inspired by Monterroso’s “Las Criadas” (Maids), this short film combining fiction and screendance presents a maid ballerina who embodies the voices of two stock radio drama lovers who plan to murder her with their own hands.
In a theatrical setting and one circular traveling shot, objectivity breaks down as the body struggles to expose all that is incorporeal, so the question arises as to where the limits between mind and expression are.
Sofía Castro studied art direction in Buenos Aires. With “Maids”, her first short film, she participated in the Vórtice residence for experimental film (Valparaíso), in the 16th VideodanzaBA Lab, and in Leeds Film Festival, Cinedans, In/Motion Chicago, Dance Camera West and BFI’s Future Film Festival among thirty other international film festivals. In 2019, she was a featured artist in FIVER (Madrid) and in the Encounters of Video dance (Valencia). She was also Durban’s International Contemporary Dance Festival first dance on screen curator and was awarded a National Grant for the Arts for herprojects exploring dance as narrative expression.
Julieta Ferraro graduated as National Contemporary Dance Teacher from the Isabel Taboga Dance Institute in Rosario, Argentina. She studied Drama at the National School of Theatre and Music at Universidad Nacional de Rosario and specialised in experimental dance and physical theatre at the Kim Physical Theatre in Berlin, Germany. She has performed in Cuba, Chile, Berlin, Guatemala and New York. She is a former member of the Aspen Santa Fe Ballet and actress at the Santa Fe Ministry of Culture company. She also studied Martial Arts (Kalaripayyattu) at the Hindustan Kalari Sangham school in India. She is currently based in Barcelona.
www.sofiacastrofilm.squarespace.com
Duration: 5’06”
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Realização: Sofía Castro
Coreografia e Interpretação: Julieta Ferraro
Produção: Delfina Cocciardi
Inspirado em “Las Criadas” de Monterroso, este curta-metragem que combina ficção e screendance apresenta um personagem/empregada que personifica as vozes de dois amantes de drama de rádio que planejam matá-la com suas próprias mãos. Num cenário teatral e filmado num único take circular, a objetividade desmorona quando o corpo luta para expor tudo o que é incorpóreo, de modo que surge a questão de saber onde estão os limites entre mente e expressão.
Sofía Castro estudou direção artística em Buenos Aires. Com “Maids”, a sua primeira curta-metragem, participou na residência Vórtice para filme experimental (Valparaíso), no 16º VideodanzaBA Lab e no Leeds Film Festival, Cinedans, Cinedans, In / Motion Chicago, Dance Camera West e Future Film Festival da BFI entre outros trinta festivais internacionais de cinema. Em 2019, foi artista de destaque em FIVER (Madrid) e nos Encontros de videodança (Valência). Também foi a primeira curadora de dança no cinema do Festival Internacional de Dança Contemporânea Internacional de Durban e recebeu um Prémio Nacional de Artes pelos seus projetos em desenvolvimento, que exploram a dança como expressão narrativa.
Julieta Ferraro formou-se como Professora Nacional de Dança Contemporânea no Instituto de Dança Isabel Taboga em Rosário, Argentina. Estudou Arte Dramática na Escola Nacional de Teatro e Música da Universidade Nacional de Rosário. Especializou-se em dança experimental e teatro físico no Kim Physical Theatre em Berlim, Alemanha. Apresentou-se em Cuba, Chile, Berlim, Guatemala e Nova York. É ex-membro da Aspen Santa Fe Ballet e atriz na companhia do Ministério da Cultura de Santa Fe. Também estudou Artes Marciais (Kalaripayyattu) na escola Hindustan Kalari Sangham, na Índia. Atualmente, reside em Barcelona.
www.sofiacastrofilm.squarespace.com
Duração: 5’06”

Maletak-I |ES|
Director, Choreographer and Performer: Mikel Arístegui
Editor: Masako Hattori
Camera: Mikel Marquez
Sculptures and poem: Iñigo Arístegui
Filmed on San Sebastian’s beach, this performance has a strong motivation in emigration and immigration, what people left behind and what society can offer to a person who has nothing but himself. The metal sculptures from Iñigo Arístegui show different aspects of this trip, one side is the emptiness one can feel with the whole bureaucracy, another one is the empty luggage hoping for a better future.
Mikel Arístegui, dancer, choreographer, teacher, producer and director of SIL Producciones / Artes en Movimiento. He trained as a dancer at the prestigious Pina Bausch school “Folkwang Hochschule”, in Germany, won the 1st prize for choreography at the VIII Madrid choreographic competition in 1994 and since then has worked in Europe both as a choreographer and performer in professional companies. He has participated as a performer and choreographer in more than a dozen video dance creations, some for the ARTE television network. The most outstanding: “Contrecoup” and “Reines d’un jour” by director Pascal Magnin, both short films have received several awards in international competitions; “NoBody” by Sasha waltz, and “LiebeSbahn”. He continues his work as a choreographer and dancer and combines it with his own dance technique called “Applied Dance”, for all bodies, for all ages and for all kinds of physical and mental limitations. He is part of the Solodos-Danza Ourense team where he has already participated in its last three editions.
Duration: 4’5”
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Realização, Coreografia e Interpretação: Mikel Arístegui
Edição: Masako Hattori
Câmara: Mikel Marquez
Esculturas e Poema: Iñigo Arístegui
Filmado na praia de San Sebastian, este trabalho tem uma forte motivação na emigração e imigração, no que as pessoas deixaram para trás e no que a sociedade pode oferecer a uma pessoa que não tem nada além de si mesma. As esculturas de metal de Iñigo Arístegui mostram aspetos diferentes desta viagem, por um lado é o vazio que se pode sentir com toda a burocracia, por outro é a bagagem vazia na esperança de um futuro melhor.
Mikel Arístegui, bailarino, coreógrafo, professor, produtor e Diretor da SIL Producciones / Artes em movimento. Formou-se na prestigiada escola “Folkwang Hochschule“ de Pina Bausch na Alemanha, ganhou o 1º prémio de coreografia no VIII Certamen Coreográfico de Madrid em 1994, e desde então tem trabalhado na Europa como coreógrafo e como intérprete. Participou em mais de uma dezena de criações de videodança, algumas para a TV ARTE. Entre os mais destacados contam-se “Contrecoup” e Reines de un jour “, do realizador Pascal Magnin, ambos com vários prémios e certificados internacionais, “NoBody” de Sasha Waltz para ARTE e “LiebeSbahn”. Como coreógrafo, trabalha com uma técnica de dança própria chamada “Danza Aplicada” para todos os corpos e mentalidades. Forma parte da equipa de Solodos-Danza Ourense onde participou nas 3 últimas edições.
Duração: 4’53”

Antes do Jantar |BR|
Director: Tiago Martins Rêgo
Choreographer: Bárbara Aguiar Coreografias | Grupo Acaso
Music: Thiago Gondim
Performers: Hulli Cavalcanti and Anderson Dimas
“Antes do Jantar” (Before dinner) is about the need to be distracted, and not realising that sometimes we already have everything we need. The video is the result of a partnership between musician Thiago Gondim and “Grupo Acaso de Dança”. The visual album “Feito em Casa” was all recorded in home studios in Brazil and Portugal and has the participation of artists from both countries. All the songs were transformed into video dances that tell a story in the CD’s chronological order. Everything was recorded with just one camera.
Bárbara Aguiar, brazilian, 30 years old. Director and choreographer of Grupo Acaso de Dança for ten years. She co-produced shows in Portugal and Galicia, created several professional shows in Brazil, won the national award (BRA) Klauss Viana de Dança (2013) in the new talent category. Dancer and choreographer since 2003, she was part of “Dante Cia de Dança e Teatro” and “Grupo Nap”. She works with “Grupo Acaso” in a fusion of contemporary dance with urban dances. The most recent project is called Thiago Gondim e o “Acaso – Made at Home”, a series of 10 video dance pieces.
Tiago Martins Rêgo, brazilian, 37 years old. Director, producer and screenwriter. Graduated in Journalism with a postgraduate degree in Cinematographic Studies, both from the Catholic University of Pernambuco. He has been working in the Brazilian audio-visual market for more than ten years, producing, directing or scripting commercial films, institutional videos, documentaries, short and feature films, music videos and recording of musical shows.
Duration: 2’12”
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Realização: Tiago Martins Rêgo
Coreografia: Bárbara Aguiar Coreografias | Grupo Acaso
Música: Thiago Gondim
Interpretação: Hulli Cavalcanti e Anderson Dimas
“Antes do Jantar” trata a necessidade que temos de nos distrair, e não percebermos que por vezes já temos tudo o que precisamos. O vídeo faz parte do projeto Thiago Gondim e o Acaso, uma parceria entre o músico e o Grupo Acaso de Dança. O álbum visual “Feito em Casa” foi todo gravado em “home studios” no Brasil e Portugal, e conta com a participação de artistas dos dois países. Todas a músicas foram transformadas em vídeos de dança que narram uma história na ordem cronológica do álbum. Foi inteiramente gravado apenas com uma câmara fotográfica.
Bárbara Aguiar, brasileira, 30 anos. Diretora e coreógrafa do Grupo Acaso de dança há dez anos. Coproduziu espetáculos em Portugal e na Galiza, criou vários espetáculos profissionais no Brasil, ganhou o prémio nacional Klauss Viana de Dança (2013) na categoria novos talentos. Bailarina e coreógrafa desde 2003, fez parte da Dante Cia de Dança e Teatro e do Grupo Nap. Trabalha no Grupo Acaso com uma fusão da dança contemporânea com as danças urbanas. O mais recente projeto chama-se Thiago Gondim e o Acaso – Feito em Casa. Trata-se de uma série de 10 vídeos de dança filmados com apenas uma câmara fotográfica.
Tiago Martins Rêgo, brasileiro, 37 anos. Realizador, produtor e roteirista. Formado em Jornalismo com pós-graduação em Estudos Cinematográficos, ambos pela Universidade Católica de Pernambuco. Atua há mais de 10 anos no mercado de audiovisual brasileiro, produzindo ou dirigindo filmes comerciais, vídeos institucionais, documentários, curtas e longas metragens de ficção, videoclipes e gravação de shows musicais. Atualmente está a finalizar o seu terceiro curta-documentário intitulado Boi-Marinho.
Duração: 2’12”

Passengers |BY|
Video Director and Choreographer: Masha Ponomariova
The path reflects reality.
Presenting underground, young Belarusian experimental dance culture. This work unites representatives of various art movements, which, for reasons of public censorship, cannot always be heard. The project was implemented as a performance in a train moving from point A to point B. Are we moving? Or are we leaving?
Masha Ponomareva is a professional dancer and performer from Belarus. She is 24 years old. Masha has taken part in international dance and theatre projects in Belarus, Belgium, Germany, and Russia. Main directions are contemporary dance, improvisation, performing arts, experimental dance. She is directing the Free Your Vision project, which is an international non-commercial art-platform for multidisciplinary artists. She is giving workshops in improvisation and creating events and dance festivals. Masha has wonderful teachers. Now she mostly keeps learning from David Zambrano and Ultima Vez Dance Company.
As Masha comes from Republic of Belarus, where dance and art culture are available only in “underground” and kind of hidden from the society, which is strongly influenced by lots of aspects such as strict politics, social inequality, lack of state support and a healthy art development system, Masha as a few other dancers and performers is researching with the strongest desire with the huge necessity of sharing her vision and showing potential.
This is her first work, which was created especially for the experimental dance festival Free Your Vision, though in the process of filming and editing, it became more a research performance in the cities of post-USSR country. Everything is live, most of it is improvisation.
Duration: 3’03”
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Realização e Coreografia: Masha Ponomariova
O caminho reflete a realidade. Este trabalho apresenta a cultura da dança experimental jovem da Bielorrússia. Reúne representantes de vários movimentos artísticos que, por razões de censura pública, nem sempre podem ser ouvidos. O projeto foi implementado como uma performance num comboio que passa do ponto A ao ponto B. Estamos em movimento? Ou vamos embora?
Masha Ponomareva é bailarina e artista profissional da Bielorrússia. Tem 24 anos e participa em projetos internacionais de dança e teatro na Bielorrússia, Bélgica, Alemanha e Rússia. As áreas são a dança contemporânea, improvisação, artes cénicas e dança experimental. Dirige o projeto Free Your Vision, que é uma plataforma de arte não comercial internacional para artistas multidisciplinares. Ministra oficinas de improvisação e criação de eventos e festivais de dança. Masha tem professores maravilhosos. Continua a aprender principalmente com David Zambrano e Última Vez Dance Company.
Como veio da República da Bielorrússia, onde a dança e a arte estão disponíveis apenas no “underground” e meio escondidas da sociedade, Masha como alguns outros artistas pesquisa com um desejo mais forte e com uma enorme necessidade de compartilhar sua visão e mostrar potencial. Este é o seu primeiro trabalho, criado especialmente para o festival de dança experimental Free Your Vision, embora no processo de filmagem e edição, se tenha tornado mais uma performance de pesquisa nas cidades do país pós-URSS. Tudo é ao vivo, a maioria é improvisação.
Duração: 3’03”

Blossom |PT|
Director: Manuel Correia – Framework Lab
Script and Artistic Director – Ana Caridade
Production – CERCI Braga & Mosaico (Platform for inclusive artistic and educational projects)
Music: Banda do Mundo (O mundo somos nós)
Design: Helena Martins – HMDesign
Bodies dressed in secrets. Hearts full of silences.
Veiled lives in the name of conversion. Unspoken phrases.
Feelings and Words embedded in the walls of the throat.
Unallowed looks / silences that generate hurt. Smothered screams, crystallized in time and in the square / void of darkness.
Whispers of bold freedom in the anguish of not being able to be.
Candles are lit … the movement is born in the middle light.
Birds prowl the windows. They sneak through the openings.
You break the “fado” that insisted on persisting… Feathers are scattered in the corridors crossed. The hair comes loose. Smiles are reborn.
The voice is the path to wanted freedom. Arms are opened, moved by the dream of a loose body.
Gone is a past of regret towards rebirth and transformation.
A new time arises… the city is lit up with the sun of the new day.
There is a streak of strength arising from poetry.
Ana Caridade started her artistic training at the age of five with music lessons. The encounter with the body took place through various means, from yoga, to dance, to theatre and later to oral narration. After years of study and experience as a perfomer/dancer she began her career as a teacher. Dance in a school context was her option. She created a group of children and young people, “Ruídos”, which she coordinated for ten years. She promoted Vila de Ronfe, Brito and Joane at an artistic and cultural level, developing dance within the community. In a school context, she also created the inclusive dance project that she has been developing for two decades. Since 2013 she’s dedicated herself to inclusive dance with young people and adults with disabilities, having worked in an artistic residency regime, regular classes and preparation of presentations. In 2018 she became Artistic Director of CERCI Braga with which she develops several community and inclusive projects.
Framework Lab has accumulated experience in the production of audio-visual content for over 6 years, having participated in numerous projects. The content produced to date is quite diverse, ranging from documentary registration to the production of promotional videos. In this domain, the Framework Lab team has highly trained and specialized collaborators in the production of innovative multimedia content, with a strong visual and narrative direction.
Duration: 7’28”
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Realização: Manuel Correia – Framework Lab
Conceção e Direção Artística: Ana Caridade
Produção: CERCI Braga & Mosaico – Plataforma de projetos inclusivos artísticos e educativos
Música: Banda do Mundo (O mundo somos nós)
Design: Helena Martins – HMDesign
Corpos vestidos de segredos. Corações cheios de silêncios.
Vidas encobertas de véus em nome da conversão. Frases não ditas.
Sentimentos e Palavras encrustadas nas paredes da garganta.
Olhares não permitidos/silêncios que geram mágoa. Gritos sufocados, cristalizados no tempo e no quadrado/vazio de escuridão.
Sussurros de liberdade ousados na angústia de não poder ser.
Velas acendem-se… o movimento nasce à média luz.
Pássaros rondam as janelas. Esgueiram-se pelas aberturas.
Quebra-se o fado que teimava em persistir… Penas espalham-se nos corredores atravessados. Os cabelos soltam-se. Os sorrisos renascem.
A voz é o caminho para liberdade querida. Abrem-se os braços movidos pelo sonho de um corpo solto.
Longe fica um passado de pesar rumo ao renascimento e à transformação.
Surge um tempo novo… ilumina-se a cidade com o sol do novo dia.
Há um rasgo de força surgido da poesia.
Ana Caridade inicia a sua formação artística aos 5 anos com aulas de música. O encontro com o seu corpo deu-se através de vários meios, desde o yoga, à dança, ao teatro e mais tarde à narração oral. Após anos de estudo e experiências como intérprete, inicia o seu percurso como professora. A dança em contexto escolar foi a sua opção para poder possibilitar oportunidades a quem de outra forma não as teria. Criou um grupo de crianças e jovens, “Ruídos”, que coordenou durante 10 anos. Dinamizou Vila de Ronfe, Brito e Joane a nível artístico e cultural desenvolvendo dança com a comunidade. Em contexto escolar, cria também o projeto de dança inclusiva que desenvolve durante duas décadas. Desde 2013 que se dedica à dança inclusiva com jovens e adultos com deficiência, tendo trabalhado em regime de residência artística, aulas regulares e preparação de apresentações com a CERCI Braga, Centro Novais e Sousa, CERCIGUI… Em 2018 torna-se Diretora Artística da CERCI Braga com a qual desenvolve vários projetos inclusivos e com a comunidade.
A Framework Lab tem uma experiência acumulada na produção de conteúdos audiovisuais com mais de 6 anos, tendo participado em inúmeros projetos. Os conteúdos produzidos até à data são bastante diversificados, indo do registo documental até à produção de vídeos promocionais. Neste domínio, a equipa da Framework Lab conta com colaboradores altamente formados e especializados na produção de conteúdos multimédia inovadores, com uma forte direção visual e narrativa.
Duração: 7’28”

The one I keep |US|
Video Director and Choreographer: Merli V. Guerra
Performance: Jess Chang
Production: Luminarium Dance Company, 2013
Played in reverse, Guerra’s film “The One I Keep” questions the secrets we withhold versus the multitude we share, and is told through the eyes of a solo performer caught in the turbulence of thousands of flying paper notes. With social media becoming an ever-increasing force in our lives, it’s easy to let the world know more of our personal secrets than one might realize. This film created from the real-life online journals of the artist (complete with a few secrets never publicly shared) toys with this concept of revealing oneself to the world. The hope for this film is to encourage viewers to reconsider their own expressions of revealing. What are the secrets we keep? The thoughts we share? Are we aware of how quickly our words take on a life of their own and fly away from us the moment they leave our lips? Let’s take a moment to hold onto that one secret only we know…the one we keep.
Merli V. Guerra, choreographer, Artistic Director of Luminarium Dance Company (Boston, MA), is a professional dancer and award-winning interdisciplinary artist. She has performed with dance companies on international tours to India (2007, 2012) and Japan (2009), while her own choreographic works, screendance films, and interactive art installations have been presented by events across the U.S., and abroad in Canada, Germany, Indonesia, and Italy. Guerra is a freelance dance journalist and graphic designer. She now splits her time between Boston and New Jersey, while pursuing her MFA in Dance at Rutgers University, where she is a Part-Time Lecturer.
Founded by Merli V. Guerra and Kimberleigh A. Holman in Boston in 2010, Luminarium Dance Company is an award-winning contemporary dance company now in its tenth season that is regularly hailed for its unique combination of dance and light. Luminarium’s mission is two-fold, stemming from the word “luminary” (1. a body that gives off light 2. sheds light on some subject or enlightens mankind). The company has presented its repertory at over 80 events across the country (New England, Upstate New York, New York City, New Jersey, Pennsylvania, and California), as well as abroad in Romania, Italy, Germany, Indonesia, and Canada.
www.merliguerra.com
www.luminariumdance.org
Duration: 4’05”
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Realização e Coreografia: Merli V. Guerra
Interpretação: Jess Chang
Produção: Luminarium Dance Company, 2013
Reproduzido em “reverse”, o filme “The One I Keep”, questiona os segredos que escondemos versus o muito que compartilhamos, e é contado pelos olhos de uma artista a solo apanhada na turbulência de milhares de notas em pedaços de papel que voa. Com os média que se tornam uma força cada vez maior nas nossas vidas, é fácil deixar o mundo conhecer mais dos nossos segredos pessoais do que se poderia imaginar. Este filme, criado a partir dos diários on-line da vida real da artista (completo com alguns segredos nunca compartilhados publicamente), brinca com esse conceito de se revelar ao mundo. A esperança para este filme é incentivar os espectadores a reconsiderarem suas próprias expressões reveladoras. Quais são os segredos que guardamos? Os pensamentos que compartilhamos? Estamos cientes da rapidez com que nossas palavras ganham vida própria e fogem de nós no momento em que deixam os nossos lábios? Vamos tirar um momento para guardar esse segredo que só nós conhecemos … aquele que guardamos.
Merli V. Guerra, coreógrafa, diretora artística da Luminarium Dance Company (Boston, MA), é bailarina profissional e artista interdisciplinar premiada. Ela já se apresentou com companhias de dança moderna como a Odissi em turnés internacionais pela Índia (2007, 2012) e Japão (2009), enquanto as suas próprias obras coreográficas, filmes de “screendance” e instalações de arte interativa foram apresentadas por eventos nos EUA, e no Canadá, Alemanha, Indonésia e Itália. Guerra é jornalista de dança freelancer e faz design gráfico. Ela agora divide o seu tempo entre Boston e Nova Jersey, enquanto faz mestrado em Dança na Rutgers University, onde é professora a meio tempo.
Fundada por Merli V. Guerra e Kimberleigh A. Holman em Boston, em 2010, a Luminarium Dance Company é uma premiada companhia de dança contemporânea, agora na sua décima temporada, que tem sido aclamada pela sua combinação única de dança e luz. A missão do Luminarium é dupla, decorrente da palavra “luminar” (1. um corpo que emite luz 2. lança luz sobre algum assunto ou ilumina a humanidade). A companhia já apresentou o seu repertório em mais de 80 eventos em todo o país (Nova Inglaterra, Nova York, Nova Jersey, Pensilvânia e Califórnia), além de outros países como Roménia, Itália, Alemanha, Indonésia e Canadá.
www.merliguerra.com
www.luminariumdance.org
Duração: 4’05”

The Copy |RU|
Writer and Director: Liudmila Komrakova
Choreographers and Performers: Alexey Barbolin, Helga Domashova
The melancholy stylist in empty salon considers something in the wallet. The unexpected ugly visitor causes him a strong creative impulse. It is a queer story. This film is aimed to show that gay people sometimes are difficult to distinguish. Because of that they may suffer from unwanted attention and their actions might be misunderstood.
Liudmila Komrakova was born in 1962 in Russia. In her adulthood she visited Argentina and fell in love with Argentinian Tango. Even though she does not have film or dance education, Liudmila, being a creative person with strong leadership and organising skills, decided to promote Argentinian Tango as a means of communication accessible for everyone and as a developing modern art and not something retrograde with red rose between the teeth. Thus, she found a team ready to create series of short films where dance plays the most important role. In order to attract people with no dance knowledge, she creates films with a strong narrative line were the dance helps to move the story. Liudmila believes that the quality of choreography and performance are the key to the understanding and developing of dance. Thus, she works closely with choreographers and dancers and explains what kind of movements she wants to see at each moment of the music. She works with Mundial in Tango Argentina and choreographers from Argentina. Her team created seven short films of which most were presented in different film and dance festivals.
Duration: 5′
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Argumento e Realização: Liudmila Komrakova
Coreografia e Interpretação: Alexey Barbolin, Helga Domashova
O cabeleireiro no salão vazio, com melancolia, contempla algo na carteira. Uma inesperada e pouco atraente visitante causa-lhe um forte impulso criativo. É uma história estranha. Este filme tem como objetivo mostrar que as pessoas gay às vezes são difíceis de distinguir. Por isso, eles podem sofrer de atenção indesejada e as suas ações podem ser mal compreendidas.
Liudmila Komrakova nasceu em 1962 na Rússia. Já adulta, visitou a Argentina e apaixonou-se pelo tango argentino. Embora não tenha formação em cinema ou dança, Liudmila, sendo uma pessoa criativa com fortes capacidades de liderança e organização, decidiu promover o tango argentino como um meio de comunicação acessível a todos e como uma arte moderna em desenvolvimento (não algo retrógrado com rosa vermelha entre os dentes). Assim, ela encontrou uma equipe pronta para criar uma série de curtas-metragens, onde a dança desempenha o papel mais importante. Para atrair pessoas sem conhecimento de dança, cria filmes com uma forte linha narrativa, onde a dança ajuda a narrar a história. Liudmila acredita que a qualidade da coreografia e performance é a chave para a compreensão e o desenvolvimento da dança. Assim, trabalha em estreita colaboração com coreógrafos e bailarinos e explica que tipo de movimentos quer ver a cada momento da música. Trabalha com Mundial in Tango Argentina e coreógrafos argentinos. Até ao momento, a sua equipe criou 7 curtas, a maioria delas participou e foi premiada em diferentes festivais de cinema e dança.
Duração: 5′
With comments by the authors.
Total duration: +/- 50′
Ages: 6 and above
Free access, with recommended reservationInformation and reservations: 212 583 175 | reservas.cada@gmail.com
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Com comentários dos autores.
Duração total: cerca de 50′
Faixa etária: maiores de 6 anos
Entrada livre, com reserva recomendadaInformações e reservas: 212 583 175 | reservas.cada@gmail.com