1 Oct./out. | 19:00
Venue/Local: Goethe-Institut (Auditorium/Auditório)
Session I – Focus on Germany / Sessão I – Destaque Alemanha
Session presented in partnership with the Goethe-Institut / Sessão apresentado em parceria com o Goethe-Institut

Vieni |IT/DE|
Video Director and Choreographer: Daniela Lucato
Inspired by the poems from Antonella Sica “La memoria nel corpo” the film talks about memory. It is a story of a friendship. The body tries a dialogue with a friend who has left but who lives through her reminiscence.
The project “Vieni” started following a call from the contest Bookciak in Venice. Because of it, I had the chance to read the book by Antonella Sica and I was very inspired by her poems. They deal with the theme of memory, death, friendship and I found it really suggestive from the first reading. I had so many ideas that I wrote in a few days two different projects: this experimental short and the narrative short “Mamma Dorme” coming to the screen this year.
I proposed the work to Chiara Franco, a dancer from Padua, my original city, where I was doing a sort of sabbatical. I really liked the way she trusted me even if we never worked together before. This short was basically based on images: it was very hard to explain them giving a sense of completeness they had for me because I wrote them as segments and we also worked in “segments”.
For every scene we were preparing, I had movements and feelings I wanted to explore. I work a lot with improvisation because of my theatre background. I gave her the material to work with and I tried to drive her to the movements representing these feelings.
It was like putting together the pieces of my imaginary puzzle.
Daniela Lucato started acting in Padua parallel to her studies at the university. Since she was 23 she practiced contemporary dance with several choreographers in Italy and later in Germany. After her degree in Philosophy with an anthropological thesis on contemporary dance, she moved to Rome, Wellington and Berlin. In 2013 she wrote/directed the theatre piece “Call Me Reality” that participated in several theatre festivals. “The Birthday” (2014), her first short film written/directed in mandarin/english language has been officially selected for 23 international festivals (among these Micgenero, Frameline, ShanghaiPride where it was nominated for the best cinematography). She received the award as best international short film at DUAF/ Tribeca Film Center. In 2019 she wrote/directed the experimental short film “Vieni” that screened already in five countries and the narrative short “Mamma dorme” (Mommy’s sleeping). She is now working on the script development of her first feature film and of a creative documentary.
www.the-dots.com/users/daniela-lucato-485137
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Duration: 3′
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Realizadora e coreógrafa: Daniela Lucato
Inspirado nos poemas de Antonella Sica “La memoria nel corpo”, o filme fala da memória. É uma história de amizade. O corpo tenta um diálogo com uma amiga que partiu, mas que vive a sua reminiscência.
O projeto “Vieni” começou após um convite do concurso Bookciak em Veneza. Tive a oportunidade de ler o livro de Antonella Sica que me inspirou muito com os seus poemas. Tratam temas como memória, morte, ou amizade e achei muito sugestivo desde a primeira leitura. Tive tantas ideias que escrevi em poucos dias dois projetos diferentes: este curta-metragem experimental e outra narrativa “Mamma Dorme” que chega às telas este ano.
Propus o trabalho a Chiara Franco, bailarina de Pádua, minha cidade de origem. Eu gostei muito de como ela confiou em mim, mesmo que nunca tenhamos trabalhado juntas antes. Este trabalho baseou-se basicamente em imagens: foi muito difícil explicá-los dando uma sensação de completude que tinham para mim porque os escrevi em segmentos e também trabalhámos em “segmentos”. Para cada cena que estávamos a preparar, eu tinha movimentos e sentimentos que queria explorar. Trabalho muito com improvisação por causa da minha formação em teatro. Dei-lhe o material para trabalhar e tentei conduzi-la aos movimentos que representavam esses sentimentos. Foi como juntar as peças do meu puzzle imaginário.
Daniela Lucato praticou dança contemporânea com vários coreógrafos na Itália e posteriormente na Alemanha. Após a licenciatura em Filosofia com uma tese antropológica sobre dança contemporânea, mudou-se sucessivamente para Roma, Wellington e Berlim. Em 2013 escreveu e encenou a peça de teatro “Call Me Reality” que participou em vários festivais de teatro. “The Birthday” (2014), seu primeiro curta-metragem escrito/realizado em mandarim/inglês, foi oficialmente selecionado para 23 festivais internacionais (entre eles Micgenero, Frameline, ShanghaiPride onde foi nomeado para melhor fotografia). Recebeu o prémio de melhor curta internacional no DUAF / Tribeca Film Center. Em 2019 escreveu/realizou o curta experimental “Vieni” que já exibiu em cinco países e o curta narrativo “Mamma dorme”. Agora está a trabalhar no desenvolvimento do roteiro de seu primeiro longa-metragem e de um documentário criativo.
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Duração: 3′

Tempest |DE|
Video Direction and Choreography: Cecila Lerg
Interpretation: Alexei C. Bernard, Leonore Schill
Piano: Julietta Demetriades
Production: Projekt X Tanz- und Theaterreihe e.V.
“Tempest” – that’s the common name for Beethoven’s piece, otherwise known as Piano Sonata No. 17, op. 31/ 2. Beethoven’s score is full of movement – furious, windy, but sometimes tender and clear. A storm translated into crochets and quavers, written down in the language of music scores. But what happens when you are not a piano player, but a choreographer reading the score? What happens when you see body movements in the notes and no music?
“Tempest” is an experiment of two art forms reading the same book but translating it completely differently – and what happens when they come back together at last.
Cecilia Lerg studied at Stage School Hamburg until 2014, afterwards she worked in Salzburg, Austria, creating semiprofessionel theaterpieces. She came to Dresden, founded the Company Projekt X e.V., organising Workshops and Dancetheatre, including small Videoprojects. She worked as dancer and teacher for/with Cie. Stefan Wey (Germany, Switzerland, France), Theater Plauen-Zwickau, Szene 12 e.V. uvm.
Duration: 6’55”
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Realizadora e Coreógrafa: Cecila Lerg
Intérpretes: Alexei C. Bernard, Leonore Schill
Piano: Julietta Demetriades
Produção: Projekt X Tanz- und Theaterreihe e.V.
“A Tempestade” é o nome comum da peça de Beethoven também conhecida como Sonata para Piano nº 17, op. 31/2. A partitura de Beethoven é cheia de movimento – furiosa, ventosa, mas às vezes suave e clara. Uma tempestade traduzida em fusas e colcheias, escritas na linguagem das partituras. Mas o que acontece quando não se é pianista, mas um coreógrafo lendo a partitura? O que acontece quando se vê movimentos corporais nas notas, e nenhuma música?
“Tempest” é uma experimentação de duas formas de arte lendo o mesmo livro, mas traduzindo-o de forma completamente diferente – e o que acontece quando se juntam de novo.
Cecilia Lerg estudou na Stage School Hamburg até 2014, depois trabalhou em Salzburg, Áustria, criando peças de teatro semiprofissionais. Deslocou-se para Dresden, onde fundou a Empresa Projekt X Tanz- und Theaterreihe e.V. organizando workshops e trabalhos de dança, incluindo pequenos videoprojetos. Trabalhou como bailarina e professora para/com a Cie. Stefan Wey (Alemanha, Suíça, França), Theatre Plauen-Zwickau, Szene 12 e.V.
Duração: 6’55’’

Co-topia on screen |GR/DE|
Concept-Choreography: Eleonora Siarava
Performers: Dörte Bähr, Marlene Kaun, Christina Rödel, Bithja Rothe, Nele-Marie Suhr, Dajana Voß
Buchholz-Organ: Matthias Pech
Editing: Eleni Chrysomalli
Camera: Max Gleschinski, Roy Liedtke
Production: Per_Dance Choreographic Research Platform
With the support of Goethe Institut Thessaloniki, stART Fellowship Program, Perform[d]ance, Robert Bosch Stiftung and the German Association of Sociocultural Centers
“Co-topia on screen” was filmed in the 13th century’s St.Nikolai Kirche (Stralsund, Germany). The idea was to transform a church into a performative space and create a ritual which demystifies performing bodies. Based on typical features of gothic architecture such as verticality, high linear structures, play with perspective, expansive interior light, the concept was to experiment and allow new performative possibilities to emerge. The choreography is composed of minimalistic repetitive patterns that build a rhythm and invite movement to unfold as a perceptual resonance, a movement that enters and amplifies the empty spaces while spectators interact with the moving image and move themselves in different parts of the space.
Eleonora Siarava is a choreographer, performer, academic researcher and artistic director of Per_Dance Platform of Choreographic Research. In her artistic work, stage and site-specific, she is interested in abstraction in dance and the multiple meanings contained both for performers and audience through the relationship between aesthetic forms, experiential awareness, and the notion of atmosphere.
Duration: 8’26”
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Coreografia-conceito: Eleonora Siarava
Intérpretes: Dörte Bähr, Marlene Kaun, Christina Rödel, Bithja Rothe, Nele-Marie Suhr, Dajana Voß
Órgão Buchholz: Matthias Pech
Edição: Eleni Chrysomalli
Câmara: Max Gleschinski, Roy Liedtke
Produção: Plataforma de pesquisa coreográfica Per_Dance
Com o apoio do Goethe Institut Thessaloniki, stART Fellowship Program, Perform[d]ance, Robert Bosch Stiftung e Associação Alemã de Centros Socioculturais
“Co-topia on screen” foi filmado na igreja de St.Nikolai (Stralsund, Alemanha), do século 13. A ideia era transformar uma igreja num espaço performático e criar um ritual que desmistificasse esses corpos. Com base em características típicas da arquitetura gótica como verticalidade, estruturas lineares elevadas, jogo com perspetiva, luz interior expansiva, o conceito era experimentar e permitir que novas possibilidades performativas surgissem. A coreografia é composta por padrões repetitivos minimalistas que constroem um ritmo e convidam o movimento a desdobrar-se como uma ressonância percetiva, um movimento que entra e amplifica os espaços vazios enquanto o espectador interage com a imagem em movimento e se movimenta em diferentes partes do espaço.
Eleonora Siarava é coreógrafa, performer, pesquisadora académica e diretora artística da Plataforma de Pesquisa Coreográfica Per_Dance. No seu trabalho artístico, em palco e site-specific, interessa-se pela abstração na dança e os múltiplos significados contidos tanto para os performers quanto para o público através da relação entre formas estéticas, consciência experiencial e a noção de atmosfera.
Duração: 8’26”

BETONHIMMEL |DE|
Idea, Concept & Performance: Lukas Steltner
Video & Cinematography: Christopher Hönninger
Time is constantly changing and with it, our reality is turning upside down, every now and then. Things that have been taken for granted one day, lost their value the next. Within a scenery of prefabricated concrete buildings, relicts of the vanished GDR era, Lukas Steltner is searching for a piece of blue sky.
Lukas Steltner startet with Breaking out of his enthusiasm for Hip Hop culture in 2001. As a professional dancer he works in a variety of fields, like Dancetheater (e.g. Heike Hennig & Co, Johann Kresnik, Hong Nguyen Thai, Adrian Figueroa), with his Bboy Crew Topp Doggz, in Cabarets, or in national and international showcases. Lukas Steltner works also as an actor, who appeared in various Cinema and TV Productions. In different projects, he danced and Co-choreographed at the interface of Urban and Contemporary Dance. Recently he collaborated as a choreographer with Joy Alpuerto Ritter (“Teenage Widerstand”, Theater der jungen Welt, Leipzig) with whom he produced their first full evening length piece (“Heimkehr“).
Christopher Hönninger is a Visual Artist who is working in CGI and Visual Effects. Born and raised in Lima, he is living and working now in Berlin. In his free time, Christopher is an Acrobat and Dancer, and he loves to take pictures of people and places as well.
Duration: 2’30”
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Ideia, Conceção e Performance: Lukas Steltner
Vídeo e Cinematografia: Christopher Hönninger
O tempo muda constantemente e, com ele, a nossa realidade vai, por vezes, ficando de cabeça para baixo. Coisas que eram dadas como certas um dia, perderam o seu valor no dia seguinte. Num cenário de prédios de cimento pré-fabricados, relíquias da era da extinta RDA, Lukas Steltner está em busca de um pedaço de céu azul.
Lukas Steltner começou com break dance pelo seu entusiasmo pela cultura Hip Hop, em 2001. Como bailarino profissional, trabalha numa variedade de campos, como dança teatral (Heike Hennig & Co, Johann Kresnik, Hong Nguyen Thai, Adrian Figueroa por ex.), com a sua Bboy Crew Topp Doggz, em Cabarets, ou em Showcases nacionais e internacionais.
Lukas Steltner trabalha também como ator, e apareceu em várias produções de cinema e TV. Em diversos projetos dançou e co-coreografou na interface da Dança Urbana e Contemporânea. Recentemente, colaborou como coreógrafo com Joy Alpuerto Ritter (“Teenage Widerstand”, no Theatre der jungen Welt, Leipzig) com quem produziu sua primeira peça completa, “Heimkehr”.
Christopher Hönninger é um Artista Visual que trabalha com CGI e Efeitos Visuais. Nascido e criado em Lima, reside e trabalha em Berlim. No seu tempo livre, Christopher é acrobata e bailarino, e também adora tirar fotos de pessoas e lugares.
Duração: 2’30”

Eboly |AR/DE|
Original idea: Les Primes
Camera: Ivanna Sol, Pedro D’Agosto, Jeremy Antoine Le Béhérec
Edit: Jalb Films, Gabriela Madeira
Sound Design: Pato Estrada
Soundtrack: Woody Pines
Choreography: Gabriela Madeira
Dancer: Bruma on Fly
Make-up Artist: Maria Grau
Thanks to Boogaloo Tanzstudio Berlin, Catnapp & Funkhaus
“Eboly” is the second part of the triptych. It shapes the reality of a female presence, absent in a space, at times present in an empty space, the same space. Infinity is experienced, as a state of mind. She plays and there are no consequences. She gets bored creating Everything is fun, but there is no way out.
Gabriela Madeira is an Argentinian-Portuguese dancer, teacher, and performer based in Berlin. She has more than 15 years of experience as a professional dancer and teacher. She completed a bachelor’s degree in contemporary dance and choreography composition at the National University of Arts of Buenos Aires.
Jeremy Antoine Le Béhérec is an independent artist from Hamburg, currently based in Berlin. After earning a Bachelor degree in Motion Design at the BTK University in Berlin 2016, he started working as a freelancer. His artwork focuses on conceptualizing, visualising & realising content for artist, brands & designers, combining different media: cinematography, motion design, animation & photography. He has been the personal tour photographer/videographer for the pop-singer Oceana since 2016.
Duration: 6’10”
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Ideia original: Les Primes
Câmara: Ivanna Sol, Pedro D’Agosto, Jeremy Antoine Le Béhérec
Edição: Jalb Filmes, Gabriela Madeira
Design de som: Pato Estrada
Trilha sonora: Woody Pines
Coreografia: Gabriela Madeira
Bailarino: Bruma on Fly
Maquilhadora: Maria Grau
Agradecimentos a Boogaloo Tanzstudio Berlin, Catnapp & Funkhaus
“Eboly é a segunda parte de um tríptico. Dá forma à realidade de uma presença feminina, ausente, às vezes presente num espaço vazio. O infinito é experimentado, como um estado de espírito. Ela joga e não há consequências. Ela fica entediada para criar. Tudo é divertido, mas não há saída.
Gabriela Madeira é bailarina, professora e performer argentino-portuguesa que vive em Berlim. Tem mais de 15 anos de experiência como bailarina profissional e professora. Concluiu o bacharelado em dança contemporânea e composição coreográfica na Universidade Nacional de Artes de Buenos Aires.
Jeremy Antoine Le Béhérec é um artista independente de Hamburgo, atualmente radicado em Berlim. Depois de se formar em Motion Design na BTK University em Berlin 2016, começou a trabalhar como freelancer. O seu trabalho artístico concentra-se em concetualizar, visualizar e realizar conteúdo para artistas, marcas e designers. Combina cinematografia de média, design de movimento, animação e fotografia. É o fotógrafo de digressão/videógrafo pessoal da cantora pop Oceana desde 2016.
Duração: 6’10”

BANG |SE/DE|
Choreographer: Antoinette Helbing
Video Director: Jan Vesala
A man and a woman are exploring closeness – and the ambiguity of its different aspects. BANG is a dance movie about the difficult search of intimacy.
Antoinette Helbing is a German dance artist based in Copenhagen. She is collaborating with the film artist Jan Vesala with whom she created the award winning movies “BANG” and “Re-Dream”. Her choreographic works “How to be/loved” (2013) and “Re-Dream” (2016) toured Holland, Russia, Slovakia, Denmark, Sweden, Norway, Greenland, Faroe Islands and the Philippines. Next to her choreographic practice she works as a dancer for Åben Dans Productions, Andreas Constantinou, Tina Tarpgaard and Kitt Johnson. Before coming to Denmark she studied dance at the ArtEZ dansacademi in Arnhem (NL) and she worked as dancer at the city theatre of Görlitz (DE) as well as freelance dancer and choreographer across Europe.
Jan Vesala has been making dance films since he finished his studies at the Film Academy in Cologne in the early nineties. Next to his passion for creating dance movies he has worked as a dancer/performer for more than 30 years within many areas of dance. He has been working with for example Pina Bausch, Janet Jackson, Rui Horta, Kitt Johnson, Camilla Stage, Dorte Olesen, Pernille Garde and Birgit Cullberg. During the past years Jan has established an intensive artistic collaboration with Antoinette Helbing.
Duration: 1’08”
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Coreógrafa: Antoinette Helbing
Realizadora: Jan Vesala
Um homem e uma mulher exploram a proximidade – e a ambiguidade das suas diferenças. “BANG” é um filme de dança sobre a difícil busca de intimidade.
Antoinette Helbing é uma artista de dança alemã radicada em Copenhaga. Colaborando com o artista cinematográfico Jan Vesala, criou os premiados filmes “BANG” e “Re-Dream”. Os seus trabalhos coreográficos “How to be / loves” (2013) e “Re-Dream” (2016) percorreram a Holanda, Rússia, Eslováquia, Dinamarca, Suécia, Noruega, Groenlândia, Ilhas Faroe e Filipinas. Além da sua prática coreográfica, trabalha como bailarina para Åben Dans Productions, Andreas Constantinou, Tina Tarpgaard e Kitt Johnson. Antes de vir para a Dinamarca, estudou dança no ArtEZ dansacademi em Arnhem (NL) e trabalhou como bailarina no teatro da cidade de Görlitz (DE), ecomo bailarina e coreógrafa freelance em toda a Europa.
Jan Vesala faz filmes de dança desde que terminou seus estudos na Academia de Cinema de Colónia no início dos anos noventa. Além da sua paixão pela criação de filmes de dança, trabalhou como bailarino/performer por mais de 30 anos em muitas áreas da dança. Tem trabalhado com, por exemplo, Pina Bausch, Janet Jackson, Rui Horta, Kitt Johnson, Camilla Stage, Dorte Olesen, Pernille Garde e Birgit Cullberg. Durante os últimos anos, Jan estabeleceu uma intensa colaboração artística com Antoinette Helbing.
Duração: 1’08”

Dance free, dance everywhere |IT/DE|
Video Director, Editor and Choreographer: Martin Angiuli
Camera: Christopher Schmidt
Production: ConTrust Collective M.A.
In everyday life we are surrounded by constant sounds.
With those sounds we dive into a timeless race.
My research looks at a different time concept, a time in which you are the variant.
The choice is to stop.
Stopping in any place, listening, observing and why not, dancing!
Leo Delibes’ fantastic music “Dôme Epais” (Flower Duet from Lakme) represents inner tranquillity, calmness, listening.
All accompanied with everyday sounds that identify the time passing, in an ordinary parking lot, and the frenzy of a society that never stops.
Dance is union and freedom.
Dance free, dance everywhere (infinite collection)
Martin Angiuli studied Breakdance and Hip Hop, then Ballet, Modern and Contemporary, graduating in Besobrasova Ballet method in Princess Grace Academy. He also graduated in Royal Academy of Dance Ballet method. After, he takes a post-graduated course for 2 years in “Balletto di Toscana” and becomes a member of “Junior Company Balletto di Toscana”. Since 2012 he is a member of “Fabula Saltica” and “Teatro Sociale” in Italy.
He danced as a dancer for several dance companies and opera. In 2015, he co-founds with Malwina Stepien “ConTrust Collective”, participating in “Internationales Tanzfestival SoloDuo NRW+Friends” in Cologne with a choreography of Malwina Stepien “Trust” winning the “Best Duo Emerging Artist” prize. In 2016 he participates in “International Dance Festival SzólóDuó” in Budapest, Hungary with “Trust” receiving a Special Mention for the piece. In June 2016 he participates in “CortoInDanza Festival IX Edizione” in Sardinia, Italy, with “Trust” winning the “Best Choreographic Dramaturgy” prize. He is also a Video-Maker and a Video Artist, in 2018 he starts to get close to video and photography world with his “TRUST S.S.” shown in many video festival in Europe.
Since Summer 2019 he is a freelancer in many projects in Berlin, Nuremberg, Erfurt, Weimar, Nordhausen. Nowadays he is based in Dortmund.
www.facebook.com/contrustcollectivema/
Duration: 3’28”
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Realizador e Coreógrafo: Martin Angiuli
Câmara: Christopher Schmidt
Produção: ConTrust Collective M.A.
Na vida quotidiana, estamos cercados por sons constantes. Com esses sons, mergulhamos numa caminhada atemporal. A minha pesquisa enfrenta um conceito diferente de tempo, um momento em que a variante é o observador. A escolha é parar. Parar em qualquer lugar, ouvindo, observando e por que não, dançando! A música fantástica de Leo Delibes “Dôme Epais” (Dueto das flores de Lakme) representa tranquilidade interior, calma, audição. Tudo acompanhado por sons diários que identificam a passagem do tempo, num estacionamento comum, e o frenesi de uma sociedade que nunca para.
Dança é união e liberdade.
Dance livremente, dance em qualquer lugar.
Martin Angiuli estudou Breakdance e Hip Hop, depois Dança Clássica, Moderna e Contemporânea. Concluiu uma pós-graduação por 2 anos no “Balletto di Toscana” e tornou-se membro do “Junior Balletto di Toscana”. Desde 2012, é membro do “Fabula Saltica” e do “Teatro Sociale”, na Itália. Dançou em várias companhias de dança e ópera. Em 2015, co-fundou com Malwina Stepien o “ConTrust Collective”, participando no “Internationales Tanzfestival SoloDuo NRW + Friends” em Colónia com uma coreografia de Malwina Stepien “Trust”, e ganhando o prémio de “Melhor Artista Emergente em Duo”. Em 2016, participa no “Festival Internacional de Dança SzólóDuó” em Budapeste, Hungria, com “Trust”, recebendo uma Menção Especial pela peça. Em 2016 participa no “CortoInDanza Festival IX Edizione” na Sardenha, Itália, com “Trust”, ganhando o prémio de “Melhor Dramaturgia Coreográfica”. Em 2018, começa a aproximar-se do mundo do vídeo e da fotografia com seu “TRUST S.S.” exibido em muitos festivais de vídeo na Europa. Desde o verão de 2019 trabalha como freelancer em muitos projetos em Berlim, Nuremberg, Erfurt, Weimar, Nordhausen e atualmente em Dortmund.
www.facebook.com/contrustcollectivema/
Duração: 3’28”

CRVS |DE|
Writer and director: Gustavo Gomes
Film: Marcus Praed
Performers: Saori Ando, Hsiao-Ting Liao, Gustavo Gomes
Original track: by Arne Bense
Drawings and photos: Gustavo Gomes as part of “ Humming of the Strings”
Editor: Gustavo Gomes
Costumes: Margrit Flagner
Make up: Sylke Schmidt
Production Assistant: Melanie Pollman and Susanne Bonne
Location: by Marion Degel and Susanne Bohne
Special thanks to Theater Osnabrück
“It was the year the crows and the locusts came
The fields drank dry the rain
The fields are bleeding
Daddy don’t cry, it’ll be alright
She puts some water on the wound
And hums a little tune while
Her courage puddles on the ground
Pooling, pooling
See the murder and the swarm descend
And the night is getting thick,
The moon turning her tricks
She’ll betray you every time
It was the year the crows and the locusts came
The fields drank dry the rain
The fields are bleeding”
“CVRS HUM” is a dance film inspired on the song Crows and Locust by lyricist Brooke Fraser and the drawing series The Humming of the Strings by Gustavo Gomes. The bucolic and lyrical imagery serve as a poetic representation of a girl descending into water. Her arms stretched in the air. The mystery of what is underneath develops into a visual poem of phantasmic symbology. Archetypes, imaginary sounds and visuals of water create the impression of a parallel reality where nature is part of one’s life as well as it is part of one’s own darkness.
Gustavo Gomes is a brazilian artist, dancer and choreographer based in Cologne, Germany. Due to a scholarship from the Brasilia International Dance Festival, he completed his studies in the Pacific DanceArts, in Montreal in Canada. In 2007 he was awarded a Gold Medal at the Brasília International Dance Seminar 2007 and the distinct Grant from the Government of the Brasilia Federal District and Ministry of Culture for cultural contributions. He has worked as a dancer with Stadttheater Osnabrueck, Staatstheater Braunschweig, the Dresden Frankfurt Dance Company. Since 2019 he is a guest artist for Richard Siegal – Ballet of Difference and a freelance choreographer.
Gustavo has been working and performing pieces by choreographers and visual artists such as William Forsythe, Jacopo Godani, Richard Siegal, Roy Assaf, Marie Chouinard, Rafael Bonachela, Nanine Linning, Mauro di Candia, Angela Camara Correa, Rosa Wernecke, Arne Bense, Lucia Simon, Harald Geisler, Lara Barclay, Monica Proenca, Li Yaming, Farley Johansson, Shannon Moreno, Shang-Chi Sun, Stefano Mazzotta, Leo Dorian, and others.
As a choreographer in companies in Germany he created pieces like “Mar Bravo”, “Fish”, “Black water”, “City men”, “Mar Bravo 2”, and “New Worship”. As an independent choreographer he created pieces such as “New Worship Boys”, and recently “The Golden Age of the Alternative Truth” with the support of the Kulturamt Frankfurt and the Hessisches Ministerium für Wissenschaft und Kunst Wiesbaden.
As a visual artist he is part of the Association of Contemporary Artists in Osnabrueck, exposing photographic work, installation and video art in a number of galleries. Alongside German artist Harald Geisler he worked on projects involving dance and virtual reality for the launching of their book “I am Pretty I Should be Famous”. As part of the Lange Nacht der Museen In Hellerau Dresden, he presented a 4 hours installation body art piece called “The Old Fascist”.
Recently, he has choreographed performances for the camera with artists such as Alexandre Borba, Denislav Kanev, and Zachary Chant. In collaboration with Alexander Frank and Leo Dorian, “Fremdkoerperkredit”, won second place in the Berlin Sci-fi Film Fest, Best film in the Randaward, Randfilmfest Kassel, and the was praised for best choreography on the Other World Austin Film festival. He has been creating and producing films such as “To cut” (2018), “Salome” (2018), “Cascas” (2015), “CVRS HUM” (2014), “Kopfmedia” (2016), “We are famous girl” (2018).
Duration: 2’45”
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Argumento e Realização: Gustavo Gomes
Câmara: Marcus Praed
Intérpretes: Saori Ando, Hsiao-Ting Liao, Gustavo Gomes
Música original: by Arne Bense
Desenhos e fotos: Gustavo Gomes como parte de “Humming of the Strings”
Edição: Gustavo Gomes
Figurinos: Margrit Flagner
Caracterização: Sylke Schmidt
Produção: Melanie Pollman and Susanne Bonne
Locais: by Marion Degel and Susanne Bohne
Agradecimento especial ao Theater Osnabrück
“Foi o ano em que os corvos e os gafanhotos vieram
Os campos secaram a chuva
Os campos sangram
Pai não chore, vai ficar tudo bem
Ela coloca um pouco de água na ferida
E cantarola um pouco enquanto
Sua coragem se acumula no chão
Pooling, pooling
Veja o assassinato e a descida do enxame
E a noite está a ficar densa,
A lua girando seus truques
Vai te trair sempre
Foi o ano em que os corvos e os gafanhotos vieram
Os campos secaram a chuva
Os campos sangram”
“CVRS HUM” é um filme de dança inspirado na música “Crows and Locust” com letra de Brooke Fraser e na série de desenhos “The Humming of the Strings” de Gustavo Gomes. O imaginário bucólico e lírico serve como representação poética de uma menina descendo até à água. Com os braços esticados no ar. O mistério do que está por baixo desenvolve-se num poema visual de simbologia fantasmática. Arquétipos, sons imaginários e visuais de água criam a impressão de uma realidade paralela onde a natureza faz parte da nossa vida, bem como da sua própria escuridão.
Gustavo Gomes é um artista, bailarino e coreógrafo brasileiro radicado em Colónia, Alemanha. Por ser bolsista do Festival Internacional de Dança de Brasília, concluiu seus estudos na Pacific DanceArts, em Montreal no Canadá. Em 2007 recebeu a Medalha de Ouro no Seminário Internacional de Dança de Brasília e Bolsa do Governo do Distrito Federal e Ministério da Cultura por contribuições culturais. Trabalhou como bailarino com Stadttheater Osnabrueck, Staatstheater Braunschweig, e na Dresden Frankfurt Dance Company. Desde 2019 é artista convidado de Richard Siegal – Ballet of Difference e como coreógrafo freelance. Gustavo tem trabalhado e interpretado peças de coreógrafos e artistas visuais como William Forsythe, Jacopo Godani, Richard Siegal, Roy Assaf, Marie Chouinard, Rafael Bonachela, Nanine Linning, Mauro di Candia, Angela Camara Correa, Rosa Wernecke, Arne Bense, Lucia Simon, Harald Geisler, Lara Barclay, Monica Proenca, Li Yaming, Farley Johansson, Shannon Moreno, Shang-Chi Sun, Stefano Mazzotta, Leo Dorian e outros. Como coreógrafo de companhias na Alemanha criou peças como “Mar Bravo”, “Fish”, “Black water”, “City men”, “Mar Bravo 2” e “New Worship”. Como coreógrafo independente, criou peças como “New Worship Boys” e, recentemente, “The Golden Age of Alternative Truth”, com o apoio do Kulturamt Frankfurt e do Hessisches Ministerium für Wissenschaft und Kunst Wiesbaden.
Como artista visual faz parte da Associação de Artistas Contemporâneos de Osnabrueck, expondo trabalhos fotográficos, instalações e videoarte em várias galerias. Ao lado do artista alemão Harald Geisler trabalhou em projetos envolvendo dança e realidade virtual para o lançamento do livro “I am Pretty I Should be Famous”. Como parte da Lange Nacht der Museen em Hellerau Dresden, apresentou uma instalação de arte corporal de 4 horas chamada “O Velho Fascista”.
Recentemente, coreografou performances para a câmara com artistas como Alexandre Borba, Denislav Kanev e Zachary Chant. Criado em colaboração com Alexander Frank e Leo Dorian, “Fremdkoerperkredit”, ganhou o segundo lugar no Festival de Cinema de Sci-fi de Berlim, melhor filme no Randaward, Randfilmfest Kassel, e foi elogiado por melhor coreografia no festival Other World Austin Film. Tem criado e produzido filmes como “To cut” (2018), “Salome” (2018), “Cascas” (2015), “CVRS HUM” (2014), “Kopfmedia” (2016), e “Somos famosos menina” (2018).
Duração: 2’45”
Institutional Partnership / Parceria Institucional
With the support of Associação São Bartolomeu dos Alemães em Lisboa / Com o apoio da Associação São Bartolomeu dos Alemães em Lisboa
With comments by the authors and presentation by Ana Macara.
Total duration: +/- 50’
Ages: 6 and above
Free access, with recommended reservationInformation and reservations: 212 583 175 | reservas.cada@gmail.com
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Com comentários dos autores e apresentação de Ana Macara.
Duração total: cerca de 50’
Faixa etária: maiores de 6 anos
Entrada livre, com reserva recomendadaInformações e reservas: 212 583 175 | reservas.cada@gmail.com