26 Set./set. | 18:00
Venue/Local: Fnac Almada

1 Oct./out. | 9:00
Venue/Local: Faculdade de Motricidade Humana*

4 Oct./out. | 15:00
Venue/Local: Academia Almadense – Auditório Osvaldo Azinheira
Session commentary by Doutora Madalena Xavier in collaboration with Escola Superior de Dança/Sessão comentada pela Doutora Madalena Xavier em colaboração com a Escola Superior de Dança

Animation and Digital Techniques/Animação e Técnicas Digitais

In this session, animation and technology dialogue, overlap, coexist, or submit to the presence of the bodies of the dancers that support the work./Nesta sessão, a animação e a tecnologia dialogam, sobrepõem-se, convivem ou submetem-se à presença dos corpos dos bailarinos que lhes servem de suporte.

photo/foto Shon Kim
Shon Kim |KR|

Choreography and Video Direction: Shon Kim

BOOKANIMA, a compound word of ‘Book’ and ‘Anima’, is Experimental Animation to give books new cinematic life. It aims ‘Watching Book’ in the third scope between Book and Cinema through Locomotion based on Chronophotography.
BOOKANIMA: Dance creates experimental locomotion of Dance along with its stream: Ballet, Korean dance, Modern dance, Jazz dance, Aerial Silk, Tap dance, Aerobic, Disco, Break dance, Hip hop, Social dance.

Shon Kim majored in Fine Art at School of the Art Institute of Chicago, MFA of Experimental Animation at CalArts, and Ph.D of Animation Theory at Chung-Ang University. Shon Kim works on Still & Moving image based in LA and Lisbon.

Duration: 7’31”


Coreografia e Realização: Shon Ki

BOOKANIMA, uma palavra composta de “Book” e “Anima”, é Animação Experimental para dar nova vida cinematográfica ao livro. Tem como objectivo observar o livro numa terceira dimensão entre Livro e Cinema por meio de locomoção baseada na cronofotografia. BOOKANIMA: Dance cria uma locomoção experimental de dança ao longo da sequência: Ballet, Dança Coreana, Dança Moderna, Jazz, Tecido Acrobático, Sapateado, Aeróbica, Disco, Break Dance, Hip Hop, Dança Social.

Shon Kim formou-se em Belas-Artes pela School of the Art Institute of Chicago, tirou o mestrado (MFA) de animação experimental no CalArts e o doutoramento em Teoria da Animação na Universidade Chung-Ang. Shon Kim trabalha com imagens fixas e em movimento e está baseado em LA e Lisboa.


Duração: 7’31’’

photo/foto Katya Kan
Younger Heart
Mc Cartier Productions |KZ|

Video Direction: Katya Kan

Taking inspiration from the electronic band, Blue Hawaii’s single Younger Heart, this video art piece explores the themes of “Together in the Universe” as well as “Islands”. The piece explores the idealistic notion of love between the opposite genders and racial backgrounds. It was choreographed for two different contemporary dancers, who performed their personal interpretation of the concept of love in the style of Pina Bausch. Thematically, this piece primarily conveys the concept of the impossible and metaphysical attempt of two entities in terms of merging into one another physically and spiritually. The video equally explores the metaphysical dimension of transcending the separation of matter: the sensation of an entering inside another being in spiritual, psychological, anatomical and visual terms. The viewers will even be able to see the interiority of the dancers’ physical matter, as in their molecular consistencies with the help of animation and CGI effects.

In psychological terms, this work takes inspiration from Richard Bandler’s “NLP: the new technology of achievement” in terms of humans being emancipated to mirror and access another individual’s inner state at any given point in time. Neuro-linguistic programming (NLP) is an approach to communication, personal development, and psychotherapy created by Richard Bandler and John Grinder in California, United States in the 1970s. NLP’s creators claim there is a connection between neurological processes (neuro-), language (linguistic) and behavioural patterns learned through experience (programming), and that these can be changed to achieve specific goals in life. Bandler and Grinder also claim that NLP methodology can “model” the skills of exceptional people, allowing anyone to acquire those skills. Stylistically, this video piece transforms itself into a 2D hand-drawn animation, which I will execute in a colour medium of my choice ranging from pencils, felt tips and/or watercolour.

The choreography is inspired by Pina Bausch’s work.

Katya Kan, is an independent and experimental director, who incorporates film and digital in her filmography. Some of the directors, she respects, include Maya Deren, Steven Soderbergh, Andrei Tarkovsky, Wong Kar-wai and Kathryn Bigelow. She is currently editing a medium-length feature, which comes to terms with the inability to remember certain positive emotions from my childhood, spent in Almaty, Kazakhstan, as a result of immigration. Another film project is an experimental documentary, consisting of digital and 16mm film and revolving around the contemporary UK Wicca religion. Her films were previously shown at the Cannes Short Film Corner (2014), Whitechapel Gallery (2018) as well as the ICA London (2018).

This piece is inspired by the artist’s LARP virtual relationship with the renowned UK based artist, Ed Fornieles.


Duration: 2’1”


Realização: Katya Kan

Inspirando-se no single «Younger Heart» da banda eletrónica, Blue Hawaii, esta peça de videoarte explora os temas “Together in the Universe” e “Islands”. A peça explora a noção idealista do amor entre sexos opostos e origens raciais diferentes. Foi coreografada para dois bailarinos de dança contemporâna diferentes, que fizeram a sua interpretação pessoal da noção de amor no estilo de Pina Bausch. Tematicamente, esta peça transmite principalmente o conceito do impossível e da tentativa metafísica de duas entidades unirem-se numa única, física e espiritualmente. O vídeo explora igualmente a dimensão metafísica de transcender a separação da matéria: a sensação de um ser entrar dentro de outro ser do ponto de vista espiritual, psicológico, anatómico e visual. Os espetadores vão mesmo ser capaz de ver o interior da ‘matéria física’ dos bailarinos, ou seja, as suas consistências moleculares com a ajuda de animações e efeitos de CGI.

Em termos psicológicos, este trabalho inspira-se no “NLP: the new technology of achievement” de Richard Bandler em termos da emancipação dos seres humanos para espelharem e acederem ao estado interior de outro indivíduo em qualquer momento. A programação neuro-linguística (NLP) é uma abordagem de comunicação, desenvolvimento pessoal e psicoterapia criada por Richard Bandler e John Grinder na Califórnia, EUA, em 1970. Os criadores da NLP afirmam existir uma ligação entre processos neurológicos (neuro)linguagem (linguística) e padrões de comportamento aprendido através da experiência (programação), e que estes podem ser alterados para atingir objetivos específicos na vida. Bandler e Grinder alegam também que a metodologia NLP pode “usar como modelo” as capacidades de pessoas excecionais, permitindo a qualquer pessoa adquirir essas capacidades. Estilisticamente, esta peça de vídeo transforma-se numa animação 2D desenhada à mão, que irei executar numa cor à minha escolha usando lápis, canetas de feltro e/ou aguarela.

A coreografia é inspirada no trabalho de Pina Bausch.

Katya Kan, é uma realizadora independente e experimental. Incorpora filme e elementos digitais na sua filmografia. Alguns dos realizadores que respeita incluem Maya Deren, Steven Soderbergh, Andrei Tarkovsky, Wong Kar-wai e Kathryn Bigelow. Atualmente, edita um filme de média-metragem, que trata da sua incapacidade de recordar certas emoções positivas da infância anteriores à idade de sete anos, em Almaty, Cazaquistão, como resultado da imigração. Outro projeto de filme que tem planeado é um documentário experimental, que consiste em película digital e de 16 mm e que trata da religião Wicca no Reino Unido na atualidade. Os seus filmes foram previamente exibidos em Cannes Short Film Corner (2014), Whitechapel Gallery (2018), bem como o ICA London (2018).

Esta peça é inspirada pela relação virtual LARP da artista com o consagrado artista baseado no Reino Unido, Ed Fornieles.


Duração: 2’1’’

photo/foto de Maka Kiladze
The brain bank
Circe – Experimental Platform for Dance and Theatre|GE|

Artistic Direction and Set Design: Maka Kiladze
Performers: Nutsa Khizanishvili, Nika Kiknadze
Camera/Editing: Saba Rama
Music: Nathalie Oceann, Domenti
Production Manager: Salome Jishkariani

Produced by Circe – Experimental Platform for Dance and Theatre

This is a story about two people, trying to acquire different skills other than the social ones, thus the process causes pressure from society. They are on the edge of collapse all the time. Despite the pressure, one can still see the mysterious signs, builds up puzzles form broken images and continues movement. 

One day, transformed from some physical form, she finds herself in an absolute different world, where she meets a person with the same skill sets. They start to exchange and share accumulated information. During this process, everything starts to look like a disc, collecting every information as a one single music track and transforming into a tree or a biological organism, as an approval of every creature’s significance in the universe. We need to study the universe language to get the idea of living together in harmony. 

We need each other.

Maka Kiladze is a multidisciplinary artist based in Tbilisi, Georgia. She is a graduate from CCA – Center of Contemporary arts. She has participated in number of group shows and solo exhibitions. In addition to installations, she is working on performance art using different mediums.

Duration: 9’10’’


Diretor Artístico e Cenógrafo: Maka Kiladze
Intérpretes: Nutsa Khizanishvili, Nika Kiknadze
Câmara/Edição: Saba Rama
Música: Nathalie Oceann, Domenti
Diretor de Produção: Salome Jishkariani

Produzida por Circe – Experimental Platform for Dance and Theatre

Esta é uma história sobre duas pessoas, a tentar adquirir outras capacidades para além das sociais, fazendo assim que o processo gere grande pressão da sociedade. Estão sempre à beira da rutura. Apesar da pressão, ainda se conseguem ver os sinais misteriosos, constroem-se quebra-cabeças a partir de imagens quebradas e o movimento continua. 

Um dia, transformada a partir de alguma forma física, ela dá por si num mundo absolutamente diferente, onde conhece uma pessoa com as mesmas capacidades. Começam a trocar e a partilhar informações acumuladas. Durante este processo, tudo começa a parecer um disco, recolhendo todas as informações numa única faixa de música e transformando-se numa árvore ou num organismo biológico, como uma aprovação da significância de cada criatura no universo. Precisamos de estudar a linguagem do universo para saber como viver juntos em harmonia. 

Precisamos uns dos outros.

Maka Kiladze é uma artista multidisciplinar baseada em Tbilisi, na Geórgia. É diplomada pelo CCA – Center of Contemporary Arts. Participou em inúmeros espectáculos coletivos e exposições individuais. Além de instalações, trabalha em artes performáticas utilizando diferentes veículos e materiais.

Duração: 9’10’’

photo/foto Antoni Rayzhekov |Katharina Köller
SEQUENCE FOR TWO: Duet for Amplified Bodies
Antoni Rayzhekov / Katharina Köller |AT/BG/PT|

Choreography: Antoni Rayzhekov and Katharina Köller
Concept, Direction, Performance, Visual Scenography, Composition, Hardware and Programming: Antoni Rayzhekov
Performance, Voice and Field Recordings: Katharina Köller

SEQUENCE FOR TWO is a live audiovisual performance-installation using biofeedback and motion-tracking to create one homogeneous performative instrument between the two performers. The project investigates the relationship between surveillance and private space by creating a sensordriven audiovisual platform. The Aparatus is a self-designed/built device that tracks the bio-signals of the two performers and controls the musical composition. By sonifying the emotional relation between the performers the performance creates an unpredictable musical representation of the psycho-physical processes during the performance.

The piece was developed during the artist in residency at ATALAIA Artes in July-August 2014 in Ourique, Portugal.

Powered by SenseStage, VVVV, Max4Live. Presented at: 2016.04 Athens Biennale – Transmission Art Festival; 10VE:Sequence for Two – video installation Gallery space of Romatso Bios, Bagkeion building of the Athens Biennale 2015-2017″OMONIA” Athens, Greece.

The performance SEQUENCE FOR TWO is a part of a bigger project named “10VE:for Two Amplified Bodies and Surveilled Audience”. The project won the “Content Award 2015” in category “Sound & Vision” Vienna, Austria and was touring Europe in 2014 – 2015.

Katharina Köller is an Austrian theater actress, performer and theatre play writer. She studied Philosophy (MA) at the University of Vienna and Acting at Schauspielschule Krauss and is working as a free artist since 2011.  As a theatre play writer she won the DramatikerInnen-Stipendium of the Austrian Ministry of Culture and in 2013 was nominated for the  Retzhofer Dramapreis and Jungwild-Förderpreis für junges Theater. She won the second Chemnitzer Theaterpreis für junge Dramatik 2014.

Antoni Rayzhekov is a Bulgarian director, performer and digital artist living in Vienna. He studied theatre directing at National Theater and Film Academy – Sofia, Jazz Music Improvisation at Vienna Konservatorium and IT at LearningTree, London, UK. In 2008 he co-founded the Viennese multimedia label THIS.PLAY and is a guest lector for Interactive Media at the University for Applied Arts in St.Pölten(AT) and National Fine Arts Academy in Sofia. In 2016 he became a fellow in Schloss Solitude – Stuttgart.


Duration: 3’50’’


Coreografia: Antoni Rayzhekov e Katharina Köller
Ideia, Realização, Interpretação, Cenografia Visual, Composição, Hardware, Programação e Vídeo: Antoni Rayzhekov
Interpretação, Voz e Gravações de Campo: Katharina Köller

SEQUENCE FOR TWO é uma instalação-interpretação audiovisual ao vivo que utiliza biofeedback e seguimento do movimento para criar um instrumento performativo homogéneo entre os dois artistas. O projeto investiga a relação entre a vigilância e o espaço privado, através da criação de uma plataforma audiovisual acionada por sensores. O aparelho é um dispositivo autoconcebido/construído que segue os biossinais dos dois artistas e controla a composição musical. Através da sonorização da relação emocional entre os artistas, a interpretação cria uma representação musical imprevisível dos processos psico-físicos durante a peça.

A peça foi desenvolvida durante a residência da artista na ATALAIA Artes em Ourique, Portugal.

Distribuído por SenseStage, VVVV, Max4Live. Apresentado em: Bienal de Atenas; Transmission Art Festival; Galeria de Romatso Bios, Bienal de Atenas 2015-2017.

A peça SEQUENCE FOR TWO faz parte de um projeto maior chamado “10VE: for Two Amplified Bodies and Surveilled Audience”. O projeto ganhou o prêmio “Content Award 2015” na categoria “Sound & Vision”, Viena, Áustria, e percorreu a Europa em digressão durante 2014/2015.

Katharina Köller é atriz de teatro, intérprete e dramaturga. Estudou filosofia (MA) na Universidade de Viena e Representação na Schauspielschule Krauss, trabalhando como artista freelance desde 2011.  Equanto dramaturga, ganhou a bolsa DramatikerInnen atribuída pelo Ministério da Cultura austríaco e em 2013 foi nomeada para o prémio Retzhofer Dramapreis e o prémio Jungwild-Förderpreis für Junges Theater. Ganhou o segundo prémio Chemnitzer Theaterpreis für Junge Dramatik 2014.

Antoni Rayzhekov é realizador, performer e artista digital em Viena. Estudou direção teatral no Teatro Nacional e Academia de Cinema de Sófia, Improvisação de Música Jazz no Vienna Konservatorium e TI no LearningTree, Londres, Reino Unido. Em 2008, cofundou a editora multimédia vienense THIS.PLAY e é professor convidado de Media Interativos na Universidade de Artes Aplicadas de St.Pölten (AT) e na Academia Nacional de Belas-Artes em Sófia. Em 2016, tornou-se fellow no Schloss Solitude em Estugarda.

Duração: 3’50’’


photo/foto Mignone Panepuccia
Apotropia |IT|

Choreography and Video Direction: Apotropia

A reflection on the difficulty of living the present moment before it becomes a memory, on the fear of the inexorable march of Time.

The work consists of three parts. In the first one [Random Access Memory] the image of a woman floating in the water alternates with a flow of memories.
In the second part [Entropy / Syntropy] we see the dance of a body struggling with time, gravity and decomposition. The movement is not linear and the choreography takes shape by two forces acting in opposite directions.
The third part [Instar Aquae Tempus] is focused on the difficulty of identifying the present moment. Time is perceived as a constant stream, suggesting that the nature of reality is that of becoming.

Apotropia is an artist duo formed by Antonella Mignone and Cristiano Panepuccia. Their work explores the intersections of dance, performing arts and digital audiovisual production. Using light, sound, motion, bodies and time, Apotropia create works that explore the philosophical, anthropological, and scientific elements of human culture.
Apotropia’s works have been exhibited internationally at Japan Media Arts Festival, WRO Media Art Biennale, Ars Electronica, BLOOOM Award, Share Festival, Athens Digital Arts Festival, Digiark – National Taiwan Museum of Fine Arts, FILE – Electronic Language International Festival, FutureFest Art Prize, Bienal de Arte Digital, Festival Internacional de la Imagen, Eurovideo, among many others.

Antonella Mignone (Turin, Italy – 1980), was trained at Teatro Nuovo Ballet Academy of Turin and in 2001 was admitted into the Accademia Isola Danza directed by Carolyn Carlson during the 49th Biennale di Venezia. She graduated from La Sapienza University of Rome with a degree in Art and Performing Arts in 2010.

Cristiano Panepuccia (Rome, Italy – 1979), is a self-taught artist and works as a painter, cartoonist, photographer, videomaker and soundtrack composer.


Duration: 8’47’’


Coreografia e Realização: Apotropia

Uma reflexão sobre a dificuldade de viver o momento presente antes que ele se torne uma lembrança, e o medo da inexorável marcha do tempo.

O trabalho consiste em três partes. Na primeira [Memória de acesso aleatório], a imagem de uma mulher flutuando na água alterna com um fluxo de lembranças.

Na segunda parte [Entropia / Sintropia], vemos a dança de um corpo lutando com o tempo, a gravidade e a decomposição. 

A terceira parte [Instar Aquae Tempus] está focada na dificuldade de identificar o momento presente. O tempo é percebido como um fluxo constante, sugerindo que a natureza da realidade é a do devir.

Apotropia é um duo de artistas formado por Antonella Mignone e Cristiano Panepuccia. O seu trabalho explora as intersecções de dança, artes performativas e produção audiovisual digital. Usando a luz, o som, o movimento, os corpos e o tempo, Apotropia cria obras que exploram os elementos filosóficos, antropológicos e científicos da cultura humana.

Os trabalhos de Apotropia foram exibidos internacionalmente no Japan Media Arts Festival, WRO Media Art Biennale, Ars Electronica, BLOOOM Award, Share Festival, Athens Digital Arts Festival, Digiark – O Museu Nacional de Belas-Artes de Taiwan, FILE – Electronic Language International Festival, FutureFest Art Prize, Bienal de Arte Digital, Festival Internacional de la Imagen, Eurovideo, entre muitos outros.

Antonella Mignone (Turim, Itália – 1980), formou-se no Teatro Nuovo, Academia de Balett de Turim e em 2001 ingressou na Accademia Isola Danza dirigida por Carolyn Carlson durante a 49.ª Biennale di Venezia. Formou-se na Universidade de Roma La Sapienza com um diploma em Arte e Artes Perfomativas em 2010.

Cristiano Panepuccia (Roma, Itália – 1979) é um artista autodidata, que trabalha como pintor, caricaturista, fotógrafo, realizador de vídeo e compositor de bandas sonoras.


Duração: 8’47’’

photo/foto Teresa Ascenção
From the Depths of Her Abyss
Teresa Ascenção |CA|

Choreography and Video Direction: Teresa Ascenção

From the Depths of Her Abyss is an experimental video with movement and costume. To animate this process, the artist performs various gestures as she dresses in layers of shimmering clothing. Her motions are transformed by light that reflects off the brilliant bits of multilayered costumes.

Teresa Ascenção is a multimedia artist whose work plays with social constructs of body language, costume, and inner corporeal experiences. Teresa was born to Azorean parents in São Paulo, Brazil, and immigrated to Canada at a young age. She holds an MFA specializing in Media Art and Sex-Positive Feminism from OCAD University. The artist’s works have been exhibited widely in Canada and internationally. She lives and works in Toronto and teaches at OCADU.


Duration: 2’35’’


Choreography and Video Direction: Teresa Ascenção

From the Depths of Her Abyss é um vídeo experimental com movimento e figurinos. Para animar este processo, a artista realiza vários gestos à medida que veste camadas de roupas cintilantes. Os seus movimentos são transformados pela luz refletida nos elementos brilhantes das várias camadas de roupa.

Teresa Ascenção é uma artista multimédia, cujo trabalho brinca com as construções sociais da linguagem corporal, o vestuário e as experiências intracorpóreas. Teresa nasceu de pais açorianos em São Paulo, Brasil, e emigrou para o Canadá numa idade jovem. Tem um MFA com especialização em Arte Multimédia e feminismo sexualmente positivo pela OCAD University. Os trabalhos da artista já foram amplamente exibidos no Canadá e internacionalmente. Vive e trabalha em Toronto e ensina no OCADU.


Duração: 2’35’’

photo/foto Freya Olafson
Painting With The Man
Freya Björg Olafson |CA|

Choreography and Video Direction: Freya Björg Olafson

Painting with the Man was developed through the use of a camera-less motion capture suit worn by Freya Olafson. The work references Yves Klien’s Anthropométries 1960 series; wherein Klein engaged nude women as ‘human paint brushes’. Dressed in bow-tie and suit Klein would conduct the women as they covered themselves (in his patented color ‘International Klein Blue’) and made imprints of their bodies on canvas. In ‘Painting with the Man’ Olafson uses a digital readymade generic male 3D body to imprint the canvas / screen.

Freya Björg Olafson is an intermedia artist who works with video, audio, painting and performance. Her praxis engages with identity and the body, as informed by technology and the Internet. Olafson’s work has been presented and exhibited internationally at venues such as the Bauhaus Archiv (Berlin), SECCA – SouthEastern Center for Contemporary Art (North Carolina), Ochoymedio (Quito, Guayaquil and Manta in Ecuador), The National Arts Center / Canada Dance Festival (Ottawa), and Onassis Cultural Center (Athens, Greece). Her video work has screened in festivals and galleries internationally, and is distributed by Video Pool Media Arts Centre. Olafson has benefitted from residencies, most notably through EMPAC – Experimental Media & Performing Arts Center (New York) and Counterpulse (San Francisco). Olafson joined the Dance Department at York University as an Assistant Professor with a speciality in screendance in July 2017.


Duration: 3’37’’


Coreografia e Realização: Freya Björg Olafson

Painting with the Man foi desenvolvido através do uso de um fato de captura de movimento sem câmara usado por Freya Olafson. A obra toma por referência a série Anthropométries de 1960 de Yves Klein; em que Klein usou mulheres nuas como “pincéis humanos”. Vestido de fato e gravata, Klein conduzia as mulheres enquanto se cobriam (na sua tinta de cor patenteada “International Klein Blue”) e realizavam impressões dos seus corpos na tela. Em ‘Painting with the Man’ Olafson usa um corpo masculino 3D genérico pronto a usar para estampar a lona/tela.

Frya Björg Olafson é uma artista interdisciplinar que trabalha com vídeo, áudio, pintura e interpretação. O seu trabalho aborda a identidade e o corpo, moldados pela tecnologia e Internet. As suas criações foram apresentadas e exibidas internacionalmente em espaços como o Bauhaus Archiv (Berlim), SECCA – SouthEastern Center for Contemporary Art (Carolina do Morte), Ochoymedio (Quito, Guayaquil e Manta no Equador), The National Arts Center / Canada Dance Festival (Otava) e Centro Cultural Onassis (Atenas, Grécia). Seu trabalho em vídeo foi exibido internacionalmente em festivais e galerias e é distribuído pelo Video Pool Media Arts Centre. Olafson realizou várias residências, nomeadamente através do EMPAC – Experimental Media & Performing Arts Center (Nova Iorque) e Counterpulse (São Francisco). Olafson ingressou no Departamento de Dança da Universidade de York como Professora Assistente com especialidade em screendance em julho de 2017.


Duração: 3’37’’

photo/foto Filomena Rusciano
Liquid Path
Filomena Rusciano |IT|

Choreography and Video Direction: Filomena Rusciano

Wore the dress courage, migrant’s hope floats restless in the sea as a crammed message in a bottle that runs on uncertain trajectories.

Filomena Rusciano, freelance dancer and choreographer. She creates her own video works, having received several awards: 2015 Honorable mention: A Corto Di Donne  (Pozzuoli, Italy); 2015 Honorable mention: Videomovimiento Festival int. de videodanza  Bogotà, Colombia); 2014 Winner best video dance: BANG – VII Festival Internacional de Videoarte de Barcelona  (Spain); 2014 Runner-Up: 60secondsdance.Dk  (Copenaghen, Denmark); 2013  Runner-Up And Special Prize To Production: Danza In Un Minuto (Turin, Italy).

Duration: 4′


Coreografia e realização: Filomena Rusciano

Usava o vestido coragem, a esperança do migrante flutua inquieta no mar como uma mensagem enfiada à força numa garrafa que passa por trajetórias incertas.

Filomena Rusciano, bailarina e coreógrafa freelance. Cria os seus próprios trabalhos em vídeo, tendo recebido vários prémios: 2015 Menção honrosa: A Corto Di Donne (Pozzuoli, Itália); 2015 Menção honrosa: Videomovimiento Festival Int. de videodanza (Bogotà, Colômbia); 2014 Vencedora do Melhor Videodança: Bang – VII Festival Internacional de Videoarte de Barcelona (Espanha); 2014 Segunda classificada: 60secondsdance.Dk (Copenhaga, Dinamarca); 2013 Segunda classificada e prémio especial de produção: Danza In Un Minuto (Turim, Itália)

Duração: 4’

photo/foto João Filipe Lopes
Arte Total |PT|

Choreography: Cristina Mendanha
Video Direction: Cristina Mendanha & Play Bleu
Performance: Gabriela Barros & David Ramalho
Composer: Rui Dias
Music and Sound Design: Rui Dias
Other Principal Crew: Ricardo Pistola (I2ADS – Faculdade de Belas Artes Universidade do Porto), Viarco graphite paste material
Production: Arte Total

This video was based on a performative work in creative laboratory, during an artistic residence of Arte Total at the International Iberian Nanotechnology Laboratory (INL), with the test of a material (graphite paste) developed by Ricardo Pistola (i2ADS) Faculty of Fine Arts from Oporto, for Fábrica da Viarco.

Cristina Mendanha is a performer, choreographer and Artistic Director at Arte Total, in Braga, since 1992. She has a PhD from the University of Porto / Faculty of Fine Arts where she investigated the relationship between writing and performance guided by the Doctor John Baldacchino. Cristina has developed, in the last decade, artistic research projects in site-specific contexts, which have resulted in Performative workshops in spaces such as Istanbul, Bahçeşehir University (Site Specific Creation as a Critical Thinking Tool to Articulate Action and Writing in the Context of Art. 2013), Budapest, University of Budapest (Self-site Specific and Movement Variations in Performers’ Education – 2015), London, Birkbeck College (TaPRA Performance & New Technologies Working Group Interim Event / Emergence of New Modes of Artistic Creation and Writing Techniques for Post-Digital Performances through Practice-as-research Methodologies: Demonstration of a Portuguese Experience’-2017), Copenhagen, University College UCC, (This became my text-2017). Cristina was, between 2009-2012, a member of the Polytechnic Institute of Viana do Castelo-ESE, Member of the Advisory Board of Theatro Circo de Braga, 2006 – 2014, Member of the Artistic Team of Guimarães Capital of Culture – Community Area, 2010-2012. She is currently Director of the Braga International Video Dance Festival, Member of the Advisory Board of UNESCO-Braga Media Art City and Collaborating Researcher in the Institute of Research in Art, Design and Society (i2ADS).


Duration: 9’21’’


Coreografia: Cristina Mendanha
Realização: Cristina Mendanha & Play Bleu
Intérpretes: Gabriela Barros & David Ramalho
Composição: Rui Dias
Música e Sonoplastia: Rui Dias
Outros Elementos da Equipa Principal: Ricardo Pistola (I2ADS – Faculdade de Belas Artes Universidade do Porto), massa de grafite Viarco
Produção: Arte Total

Este vídeo foi baseado num trabalho performativo em laboratório criativo, durante uma residência artística da Arte Total no International Iberian Nanotechnology Laboratory (INL), tendo o teste do material (massa de grafite) sido desenvolvido por Ricardo Pistola (i2ADS), Faculdade de Belas Artes do Porto, para a fábrica da Viarco.

Cristina Mendanha é intérprete, coreógrafa e diretora artística na Arte Total, com sede em Braga desde 1992. Tem um doutoramento da Universidade do Porto / Faculdade de Belas-Artes, onde investigou a relação entre a escrita e a interpretação orientado pelo Doutor João Baldacchino. Cristina tem desenvolvido, na última década, projetos de investigação artística em contextos “site-specific”, o que resultou em wokshops performativos em espaços como Istambul, Univesidade Bahçeşehir, Budapeste, Universidade de Budapest (Self-site Specific and Movement Variations in Performers’ Education – 2015), Londres, Birkbeck College (TaPRA Performance & New Technologies Working Group Interim Event / Emergence of New Modes of Artistic Creation and Writing Techniques for Post-Digital Performances through Practice-as-research Methodologies: Demonstration of a Portuguese Experience’-2017), Copenhaga, University College UCC, (This became my text-2017). Entre 2009 e 2012, Cristina foi membro do Instituto Politécnico de Viana do Castelo-ESE, entre 2006 e 2014, membro do Conselho Consultivo do Theatro Circo de Braga, entre 2010 e 2012 membro da Equipa Artística de Guimarães Capital da Cultura – Área comunitária. Atualmente é Diretora do Festival Internacional de Dança de Vídeo de Braga, membro do Conselho Consultivo da UNESCO-Braga Media Art City e investigadora colaboradora no Institute of Research in Art, Design and Society (i2ADS).


Duração: 9’21’’

Madalena Xavier, lecturer at Escola Superior de Dança (Instituto Politécnico de Lisboa), she has a PhD in Dance from Faculdade de Motricidade Humana – Universidade de Lisboa and is a researcher at INET-MD. She has a Masters in Communication Sciences in the specialty of Contemporary Culture and New Technologies. She has the Audiovisual Professionals Course from Restart – Escola de Criatividade e Novas Tecnologias and a Degree in Dance from Escola Superior de Dança. Holds a Professional Dancers Course diploma from Escola de Dança do Conservatório Nacional (1997).
Professionally, she has worked as a performer in works by Frédéric Flamand, Ana Rita Barata, Rui Lopes, among others. She has choreographed, “Estar de Fora Para Ver” (2004), “The End and Then” (2004), “Super-heróis” (2006), “Qualquer Um” (2007), “A possibilidade de” (2009), “Entro, atravesso, percorro, meço” (2011); “quantos podemos ser” (2013) and “Adormece que o sonho aparece” (2014).


Madalena Xavier, professora na Escola Superior de Dança do Instituto Politécnico de Lisboa, doutorada na especialidade de Dança pela Faculdade de Motricidade Humana da Universidade de Lisboa. É investigadora no INET-MD. Mestre em Ciências da Comunicação na especialidade de Cultura Contemporânea e Novas Tecnologias. Tem o curso de Profissionais de Audiovisuais da Restart – Escola de Criatividade e Novas tecnologias e a Licenciatura em Dança – Ramo de Espetáculo, pela Escola Superior de Dança. Detém o diploma do Curso de Bailarinos Profissionais da Escola de Dança do Conservatório Nacional (1997).
Profissionalmente trabalhou como intérprete em trabalhos de Frédéric Flamand, Ana Rita Barata, Rui Lopes, entre outros. Coreografou, “Estar de Fora Para Ver” (2004), “The End and Then”(2004), “Super-heróis”(2006), “Qualquer Um”(2007), “A possibilidade de”(2009), “Entro, atravesso, percorro, meço” (2011); “quantos podemos ser” (2013); “Adormece que o sonho aparece” (2014).

Total duration: 53′
Free access, except October 1st session, *reserved for F.M.H. students


Duração total: 53′
Livre acesso, exceto sessão de dia 1 de outubro, *reservada a estudantes da F.M.H.