9 Oct./out. | 18:00
Venue/Local: Auditorium/Auditório Osvaldo Azinheira – Academia Almadense

Session III / Sessão III 

photo/foto: Laura Abad

Ezlekua |ES|

Script & Direction: Marta Romero and Luz Ruciello
Choreography and Performance: Elene Bravo and Claudio Rojas
Cinematography: Lluís Miras Vega
Wardrobe: Zer Collection
Original Music: Carlos Cuenca
Sound Design: Enrique G. Bermejo
Film Edition: Marta Romero
Hair & Make Up: Julia Quintana
Colourist: Thaïs Batlle
Graphic Designer: María Pía Vivo
Production: Marta Romero and Luz Ruciello

The past, present and future coexist in a non-place. From the immensity of the ocean emerges a floating, faceless body from the past. It reaches land and explores the territory. A man from the future observes it. It sends a message to get his attention. In the present, an exchange of movements originates between these two beings from opposite times. Dance transforms into something frenetic until it reaches its peak.
Is it possible to start over?

Marta Romero Coll is a graduate in Audiovisual Communication from the Autonomous University of Barcelona. She works as a filmmaker, and has collaborated with premier choreographers such as Marco Flores, Juan Carlos Lérida, Ana Morales, Karime Amaya and José Maldonado, among others. She has directed a number of dance films, including “9241” (2017), which was nominated at festivals in Spain, Portugal, the U.S., Mexico, Chile and Argentina.

Luz Ruciello, currently living in Barcelona, she studied Image and Sound at the University of Buenos Aires, Argentina. She has been working as an assistant director and continuity supervisor in film and advertising since 2002. She has made several short films and videoclips. Her feature length film, “Un Cine en Concreto” (2017, 77’), has won awards and was nominated at 23 international festivals.

Elene Bravo Muga, Bachelor of Philosophy from the UAB, trained in ballet and contemporary dance in various centres in San Sebastián, London, Brussels and Barcelona. Between 2001 and 2018 she has participated in more than 70 dance festivals. She is part of the company of the Chilean director and choreographer Mauro Barahona with whom she toured Chile in 2016.

Claudio Rojas (born 1983, Chile) develops and investigates from Performance as a launching pad, the styles of Tap Dance, Contemporary Dance, Jazz, Hip Hop, Improvisation and Aerial Dance. He has worked with important choreographers and companies such as Alex Rigola, Cia. Maura Morales and La Fura Dels Baus. In EZLEKUA, he marks his current potential search: the deconstruction of movement.

www.litoralcine.com
www.martaromerocoll.com

Duration: 4’27”

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Argumento e realização: Marta Romero e Luz Ruciello
Coreografia e Interpretação: Elene Bravo e Claudio Rojas
Fotografia: Lluís Miras Vega
Figurinos: Coleção Zer
Música Original: Carlos Cuenca
Design de som: Enrique G. Bermejo
Edição: Marta Romero
Design de cabelo e maquilhagem: Julia Quintana
Colorista: Thaïs Batlle
Design Gráfico: María Pía Vivo
Produção: Marta Romero e Luz Ruciello

O passado, presente e futuro coexistem em um não-lugar. Da imensidão do oceano emerge um corpo flutuante e sem rosto, do passado. Chega à terra e explora o território. Um homem do futuro observa. Envia uma mensagem para chamar a sua atenção. No presente, uma troca de movimentos é originada a partir desses dois seres de tempos opostos. A dança transforma-se em algo frenético até atingir seu pico. Será possível recomeçar?

Marta Romero Coll é formada em Comunicação Audiovisual pela Universidade Autónoma de Barcelona. Trabalha como cineasta e colaborou com coreógrafos de renome, como Marco Flores, Juan Carlos Lérida, Ana Morales, Karime Amaya e José Maldonado, entre outros. Dirigiu vários filmes de dança, incluindo “9241” (2017), selecionado para festivais na Espanha, Portugal, EUA, México, Chile e Argentina.

Luz Ruciello, atualmente morando em Barcelona, ​​estudou Imagem e Som na Universidade de Buenos Aires, Argentina. Trabalha como diretora assistente e supervisora ​​de continuidade em filmes e publicidade desde 2002. Fez várias curtas-metragens e videoclipes. A sua longa-metragem, “Un Cine en Concreto” (2017, 77 ‘), foi premiado e selecionado para 23 festivais internacionais.

Elene Bravo Muga, Bacharel em Filosofia pela UAB, estudou ballet e dança contemporânea em vários centros de San Sebastián, Londres, Bruxelas e Barcelona. Entre 2001 e 2018 participou em mais de 70 festivais de dança. Faz parte da companhia do diretor e coreógrafo chileno Mauro Barahona, com quem viajou pelo Chile em 2016.

Claudio Rojas (1983, Chile) desenvolve e investiga os estilos de Sapateado, Dança Contemporânea, Jazz, Hip Hop, Improvisação e Dança Aérea a partir da perspetiva da Performance. Já trabalhou com importantes coreógrafos e empresas como Alex Rigola, Cia. Maura Morales e La Fura Dels Baus. Em EZLEKUA, ele continua a sua atual pesquisa: a desconstrução do movimento.

www.litoralcine.com
www.martaromerocoll.com

Duração: 4’27”

The man who travelled nowhere in time |CA|

Creation & Choreography: Kyra Jean Green
Direction: Vincent René-Lortie
Production: Telescope Films
Cinematography: Alexandre Nour
Edition: Guillaume Marin
Sound: Nataq Huault
Art Direction: Geneviève Boiteau
Music: SHXCXCHCXSH & Franz Schubert
Performance: Alexandre Carlos, Brittney Canda, Charles-Alexis Desgagnés, Emmanuelle Martin, Geneviève Gagné, Janelle Hacault, Kyra Jean Green

Through the eyes of Eytan, a man who only exists in the dreams and unconscious minds of others, we question what is “real”, what isn’t, and how we each perceive time differently. This film was born out of the choreography made for live performance, turned into a short dance film.

Vincent René-Lortie is a Montréal-based film director. Having directed festival renowned short films and music videos for Canada’s top artists, his dream-drenched work spans a wide range of genres including fiction, sci-fi, and dance. With his attention to the poetic and his obsession with the intimate, Vincent’s narratives continue to offer surreal journeys coated in high-value execution.

Kyra Jean Green was born in France, raised in West Palm Beach FL., and obtained her BFA in dance from The Juilliard School. She has presented work internationally. In 2019 she created new works in Ulm Germany, Seattle Washington and present her company at Prisma Dance Festival in Panama. Since 2015 she has been an assistant choreographer, teacher, and dancer with Les 7 Doigts de la Main. She was winner of Prix Coup de Coeur du Public at Festival Quartiers Danses September 2016 and 2018. She started her company “Trip The Light Fantastic” in 2017 and the company made its debut at Festival Quartiers Danses.

www.TripTheLightFantastic.me
www.facebook.com/kyrajeangreen
www.vincentrenelortie.com

Duration: 5′

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Criação e Coreografia: Kyra Jean Green
Realização: Vincent René-Lortie
Produção: Telescope Films
Cinematografia: Alexandre Nour
Edição: Guillaume Marin
Som: Nataq Huault
Direção Artística: Geneviève Boiteau
Música: SHXCXCHCXSH & Franz Schubert
Interpretação: Alexandre Carlos, Brittney Canda, Charles-Alexis Desgagnés, Emmanuelle Martin, Geneviève Gagné, Janelle Hacault, Kyra Jean Green

Pelos olhos de Eytan, um homem que só existe nos sonhos e nas mentes inconscientes dos outros, questionamos o que é “real”, o que não é, e como cada um de nós percebe o tempo de maneira diferente. Este filme nasceu da coreografia feita para performance ao vivo, transformada em um curta de dança.

Vincent René-Lortie é um realizador de cinema de Montreal. Tendo dirigido curtas-metragens e videoclipes renomados para os principais artistas do Canadá, o seu trabalho, repleto de sonhos, abrange uma ampla variedade de géneros, incluindo ficção, ficção científica e dança. Com a sua atenção ao poético e sua obsessão pelo íntimo, as narrativas de Vincent oferecem jornadas surreais revestidas de grandes performances.

Kyra Jean Green nasceu na França, cresceu em West Palm Beach, Flórida, e obteve um BFA em dança na The Juilliard School. Tem apresentado o seu trabalho internacionalmente. Em 2019, criou novos trabalhos em Ulm Alemanha, Seattle, Washington e apresentou a sua companhia no Prisma Dance Festival no Panamá. Desde 2015 é coreógrafa assistente, professora e bailarina na “Les 7 Doigts de la Main”. Foi vencedora do Prémio “Coup de Coeur du Public” no Festival “Quartiers Danses” em 2016 e 2018. Criou a sua companhia “Trip The Light Fantastic” em 2017.

www.TripTheLightFantastic.me
www.facebook.com/kyrajeangreen
www.vincentrenelortie.com

Duração: 5′

photo/foto: Miguel Ángel Invarato

Woman on Background |ES|

Direction and Performance: Melania Olcina
Photography and Edition: Ainara Nieves
Music: Artomatic

This video is about the iconic representation of women within an interior space, of intimacy. The house and the body are places understood as spaces reserved for the solitude and introspection of a single inhabitant, where a completely physical and bodily bond is established through the sense of touch.

Melania Olcina is a dancer and video artist. She has a degree in Art History from the Complutense University of Madrid (2009) and Diploma in Contemporary Dance from the Royal Mariemma Professional Conservatory of Madrid (2008). She obtains awards and scholarships as an interpreter at dance festivals such as the X Choreographic Festival Burgos-New York (2011); International Festival of Vienna “Impulstanz” (2009); Carlos III University of Madrid (2009); XXIII Choreographic Competition of Madrid (2008); XXII Choreographic Competition of Madrid (2007); International Festival of Dance and Performing Arts ADAE (2008); Dance Festival of Alcalá de Henares (2005). As an dancer he has worked with Pedro Berdayes, Jesús Rubio Gamo Company, Teresa Nieto, Carmen Roche’s ballet, Els Comediants, Claudel Bardouil. Currently working for the Sharon Fridman Company since 2013 with “Free fall” (Winner of the MAX award for the best dance show in 2015 and winner of the best dance show at the International Theatre and Dance Fair of Huesca), “All ways” (Audience Award at the International Fair of Theatre and Dance of Huesca), among other shows. Working with Antonio Ruz since 2010, winning the “El Ojo Crítico” prize 2013, and National Award of Creation (2018). As a creator she made short dance pieces “Solo Organics” and “I have the ambition of an ant”, premiered at the Teatro de la Zarzuela in Madrid. In 2013 her video “Woman on background” was awarded with an honourable mention in the 8th International Videomovimiento Festival 14 (Colombia). Selected for many dance video festivals in Germany, Spain, Chile, Greece, Brazil, Argentina, Colombia, Belgium, Ukraine, Cuba and Portugal.

www.facebook.com/melania.olcinayuguero

Duration: 4’55”

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Realização e Interpretação: Melania Olcina
Fotografia e edição: Ainara Nieves
Música: Artomatic

Este vídeo é sobre a representação icónica de mulheres dentro de um espaço interior, de intimidade. A casa e o corpo são lugares entendidos como espaços reservados para a solidão e a introspeção de um único habitante, onde um vínculo completamente físico e corporal é estabelecido pelo sentido do tato.

Melania Olcina é bailarina e artista de vídeo. Licenciada em História da Arte pela Universidade Complutense de Madrid (2009) e diplomada em Dança Contemporânea pelo Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma (2008). Ganhou prémios e bolsas como intérprete em festivais de dança como o Certamen Internacional de Coreografía Burgos-New York (2011); Festival Internacional de Viena “Impulstanz” (2009); Universidade Carlos III de Madrid (2009); XXIII Concurso Coreográfico de Madrid (2008); XXII Concurso Coreográfico de Madrid (2007); Festival Internacional de Dança e Artes Cênicas ADAE (2008); Festival de Dança de Alcalá de Henares (2005). Como intérprete, trabalhou com Pedro Berdayes, Companhia Jesús Rubio Gamo, Teresa Nieto, Ballet Carmen Roche, Els Comediants, Claudel Bardouil. Desde 2013, tem trabalhado para a Sharon Fridman Company em “Queda livre” (vencedor do prêmio MAX de melhor espetáculo de dança, em 2015, e vencedor do melhor espetáculo de dança na Feira Internacional de Teatro e Dança de Huesca), “All ways” (Prémio do Público na Feira Internacional de Teatro e Dança de Huesca), entre outros espetáculos. Com Antonio Ruz desde 2010, prémio “El Ojo Crítico” 2013 e Prémio Nacional de Criação (2018). Criou pequenas as peças de dança “Solo Organics” e “Eu tenho a ambição de uma formiga”, estreadas no Teatro de la Zarzuela em Madrid. Em 2013, o seu vídeo “Woman on background” foi premiado com uma menção honrosa no 8º Festival Internacional de Videomovimiento 14 (Colômbia). Selecionado para muitos festivais de vídeo de dança na Alemanha, Espanha, Chile, Grécia, Brazil, Argentina, Colômbia, Bélgica, Ucrânia, Cuba e Portugal.

www.facebook.com/melania.olcinayuguero

Duração: 4’55”

photo/foto: Katerina Tsakiri

Gender Production Line |GR|

Creation & Performance: Angelos Papadopoulos
Direction: Angelos Papadopoulos, Katerina Tsakiri
Music: Rafailia ‘Raflak’ Bampasidou

Human is uniquely adept at using systems of symbolic communication (such as language and art). Most aspects of human physiology are closely homologous to corresponding aspects of animal physiology. The human brain is believed to be more “intelligent” in general than that of any other known species. Like any other creature, human is a highly social being and tend to live in large complex social groups. Human conforms to some kind of sexual reproduction. Human has sex. Human has genital sex. Human has gender. Ηuman has gender identity.

Angelos Papadopoulos was born in Athens (1991). He is a dance artist and director. A graduate of the Athens University of Economics & Business and the National School of Dance (Athens), he has taken part in educative workshop-residency programs by P.A.R.T.S. (Belgium), Monica Gillete & Romain Guion (Germany), Sofia Mavragani & Thanos Polimeneas-Liontiris (Greece). Recently he has been accepted in ‘Connect for Creativity, Art and Technology Residency Programme’ co-funded by the European Union and the Republic of Turkey through the Intercultural Dialogue programme that is led by Yunus Emre Institute, Athens, Belgrade, and Istanbul. Next year he will collaborate with Zaratan Gallery as an Artist in Residency (Portugal). Ιn his work, Angelos is particularly interested in identity. He always starts with the primal material, the body. He has been creating short films that have participated in festivals in France, Spain, South America, Mexico and Greece.

Katerina Tsakiri was born in Athens, 1991. She studied Photography and Audiovisual Arts at the Technological Institute of Athens (T.E.I.A.) and at École Supérieure d’Art et de Design d’Orléans, France (I.A.V.) as an Erasmus Student. Currently she is an MFA student of Photography on Valand Academy of University of Gothenburg in Sweden (2019-2021). Her work has exhibited in European photography festivals. Four of the first prints of her project “Family Affair” belong to MOMus’ (Metropolitan Organization of Museums of Visual Arts of Thessaloniki) private collection. The projects that she is working on are mainly autobiographical and are approached through a sociological and psychological lens. Self-portraiture and symmetry are the two basic elements of her work so far. At the same time she produces and directs dance films in collaboration with the choreographer and dancer Angelos Papadopoulos.

Duration: 5’20”

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Criação e Interpretação: Angelos Papadopoulos
Realização: Angelos Papadopoulos, Katerina Tsakiri
Música: Rafailia ‘Raflak’ Bampasidou

O ser humano é excecionalmente hábil a usar sistemas de comunicação simbólica (como a linguagem e arte). A maioria dos aspetos da fisiologia humana é intimamente homóloga aos aspetos correspondentes da fisiologia animal. Acredita-se que o cérebro humano seja mais “inteligente” em geral do que qualquer outra espécie conhecida. Como qualquer outra criatura, o ser humano é um ser altamente social e tende a viver em grandes grupos sociais complexos. O ser humano tem género. O humano tem identidade de género.

Angelos Papadopoulos nasceu em Atenas (1991). É artista de dança e realizador. Formado pela Universidade de Economia e Negócios de Atenas e pela Escola Nacional de Dança (Atenas), participou em programas educacionais de residência em oficinas da P.A.R.T.S. (Bélgica), Monica Gillete e Romain Guion (Alemanha), Sofia Mavragani e Thanos Polimeneas-Liontiris (Grécia). Recentemente, foi aceite no ‘Connect for Creativity, Art and Technology Residency Program’, co-financiado pela União Europeia e pela República da Turquia. No próximo ano, irá colaborar com a Galeria Zaratan como Artista em Residência (Portugal). No seu trabalho, Angelos está particularmente interessado em identidade. Começa sempre com o material primordial, o corpo. Tem criado curtas-metragens que participaram em festivais em França, Espanha, América do Sul, México e Grécia.

Katerina Tsakiri nasceu em Atenas, 1991. Estudou Fotografia e Artes Audiovisuais no Instituto Tecnológico de Atenas (T.E.I.A.) e na École Supérieure d’Art et de Design d’Orléans, França (I.A.V.), como estudante de Erasmus. Atualmente, é estudante de mestrado em fotografia na Academia Valand da Universidade de Gotemburgo, na Suécia (2019-2021). O seu trabalho foi exibido em festivais de fotografia europeus. Quatro das primeiras impressões de seu projeto “Family Affair” pertencem à coleção particular do MOMus (Organização Metropolitana de Museus de Artes Visuais de Thessaloniki). Os projetos nos quais trabalha presentemente são principalmente autobiográficos e são abordados sob uma perspectiva sociológica e psicológica. Auto-retrato e simetria são os dois elementos básicos de seu trabalho até agora. Ao mesmo tempo, produz e dirige filmes de dança em colaboração com o coreógrafo e bailarino Angelos Papadopoulos.

Duração: 5’20”

photo/foto: Yerin Lee

CAGE – Fear of missing out |GB|

Direction and Choreography: Yerin Lee
Performance: Teng Guo
Scenery: Byongrok Loki Kim
Design: Yeonsoo Do

‘CAGE- Fear of missing out’ is about people who have the anxiety, called FOMO, fear of missing out. The performer represents the specific people (perhaps most people), who cannot live and stay without their phones, checking their phones all the time.
People prefer to be kind and nice in social media, but also they do not want to miss any news or notifications from their social media.

Yerin Lee is a contemporary dancer and screendance filmmaker based in London and Seoul. She has been creating diverse dance performances, films and programmes, such as workshop, community and dance busking, and trying to deal with social and political/social issues through her works.
She studied traditional Korean dance at Kyunghee University in Seoul and presented many performances as a choreographer and dancer. After she moved to London in 2016, she completed MA Creative and Cultural Entrepreneurship at Goldsmiths, University of London and created her dance project team, ‘Y Dance’, with other Korean artists. Currently, she is doing her PhD about political performance in screendance with traditional Korean concepts at the University of Roehampton.
She is confident that her academic achievements and various performance experiences as a dancer and a choreographer have afforded her a strong foundation of skills.

yenndance3639.wixsite.com/yenndance
www.facebook.com/YENN.DANCE

Duration: 5′

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Realização e Coreografia: Yerin Lee
Interpretação: Teng Guo
Argumento: Byongrok Loki Kim
Design: Yeonsoo Do

‘CAGE – Fear of missing out” é sobre pessoas que têm uma ansiedade, chamada FOMO, medo de perder. O artista representa pessoas específicas (talvez a maioria), que não conseguem viver sem os seus telemóveis, olhando para ele o tempo todo. Querem ser simpáticas e agradáveis ​​nas redes sociais, e não querem perder nenhuma notícia ou notificação.

Yerin Lee é bailarina contemporânea e realizadora de “screendance” com sede em Londres e Seul. Criou diversas apresentações de dança, filmes e programas, como workshops, dança na comunidade e na dança, e tentou lidar com questões sociais através de seus trabalhos.
Estudou dança coreana tradicional na Universidade Kyunghee em Seul e apresentou muitas performances como coreógrafa e bailarina. Depois de se mudar para Londres em 2016, completou o mestrado em Empreendedorismo Cultural e Criativo na Goldsmiths, Universidade de Londres e criou sua equipe de projetos de dança, ‘Y Dance’, com outros artistas coreanos. Atualmente, está a fazer doutorado sobre desempenho político em concordância com os conceitos tradicionais coreanos da Universidade de Roehampton.
Está confiante de que as suas várias experiências académicas e de performance como bailarina e coreógrafa lhe proporcionaram uma base sólida de trabalho.

yenndance3639.wixsite.com/yenndance
www.facebook.com/YENN.DANCE

Duração: 5′

photo/foto: Mignone Panepuccia

Altered Ego: Homogeneous |IT|

Direction: Antonella Mignone, Cristiano Panepuccia
Choreography: Antonella Mignone
Music: Cristiano Panepuccia

A corps de ballet composed of perfectly homologated figures dances in impeccable synchrony. Like an army of the Show, they wear an identical costume and the same mask on the face.
Homogeneous is an artwork from the Altered Ego Series by APOTROPIA, a series of digital video artworks that explores the de-materialization of human identity in the digital world.

Antonella Mignone was trained at Teatro Nuovo Ballet Academy of Turin and in 2001 was admitted into the Accademia Isola Danza directed by Carolyn Carlson during the 49th Biennale di Venezia. She graduated from La Sapienza University of Rome with a degree in Art and Performing Arts in 2010.

APOTROPIA is an artist duo formed by Antonella Mignone and Cristiano Panepuccia. They work across video, dance, performance, sound and installation and explore the philosophical, anthropological and scientific elements of human culture.
APOTROPIA’s works have been exhibited internationally at Japan Media Arts Festival, Ars Electronica, BLOOOM Award, WRO Media Art Biennale, Share Festival, Athens Digital Arts Festival, Digiark – National Taiwan Museum of Fine Arts, FILE – Electronic Language International Festival, FutureFest Art Prize, Bienal de Arte Digital, Eurovideo, MIT Museum, Festival Internacional de la Imagen, among many others.

www.apotropia.com
www.facebook.com/apotropia

Duration: 6’14”

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Relização: Antonella Mignone, Cristiano Panepuccia
Choreografia: Antonella Mignone
Música: Cristiano Panepuccia

Um “corpo de baile” composto por figuras perfeitamente homólogas dança em sincronia impecável. Como um exército do show, eles vestem uma roupa idêntica e a mesma máscara no rosto. “Homogeneous” é uma obra de arte da série Altered Ego, uma série de obras de arte em vídeo digital que explora a desmaterialização da identidade humana no mundo digital.

Antonella Mignone foi treinada na Academia de Ballet Teatro Nuovo de Turim e em 2001 foi admitida na Accademia Isola Danza, dirigida por Carolyn Carlson, durante a 49a Bienal de Veneza. Ela se formou na Universidade La Sapienza de Roma com um diploma em Arte e Artes Cênicas em 2010.

APOTROPIA é uma dupla de artistas formada por Antonella Mignone e Cristiano Panepuccia. Eles trabalham com vídeo, dança, performance, som e instalação e exploram os elementos filosóficos, antropológicos e científicos da cultura humana.
As obras da APOTROPIA foram exibidas internacionalmente no Japan Media Arts Festival, Ars Electronica, BLOOOM Award, WRO Media Art Biennale, Share Festival, Athens Digital Arts Festival, Digiark – Museu Nacional de Belas Artes de Taiwan de Taiwan, FILE – Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, FILE – Festival Internacional de Linguagem Eletrônica, FutureFest Art Prize , Bienal de Arte Digital, Eurovideo, Museu MIT, Festival Internacional da Imagem, entre muitos outros.

www.apotropia.com
www.facebook.com/apotropia

Duração: 6’14”

photo/foto: Konstantinos Koutsoilias

WrCs(A)ycle |GR|

Direction and Choreography: Maria (Mantia) Papathanasiou
Performance: Dimitra Nousi
Edition: Philipus Evangelou

Wr(CsA)ycle is a creative experiment in “aquatic aesthetics”, evolving at the crossroads of contemporary dance and artistic swimming.
Falling into the water, through the water, risking collisions. We were born in water, our body is water, but many people acquire discomfort and fear of suffocation when in the water later in life. We carry these experiences as engaged spectators. Our tension is eased when we stay with the calmness and beauty of swimming, away from the noise and hectic pace of modern life. Wr(CsA)ycling the memories of life through a dance body that moves continuously and smoothly. A body in the water, permitting free, continuous drifting, changes in position and distribution. An interlacing body that moves in so many directions. The qualities of effort/effortlessness in deep water; of stillness and action without losing the ability to float. Sinking and floating, falling and staying still, a memory of being born again.

Maria (Mantia) Papathanasiou is a dancer/choreographer born in Athens. She has graduated from the Niki’s Kontaxaki Professional Dance School and was a synchronized swimming champion. Having taught dance and synchronized swimming to the National Teams of Greece, Germany, Italy and Turkey, she has choreographed for international meets, world championships and for the preliminaries of the London Olympic Games 2012. In 2011, she founded the Dance Team Ametakinit(R)o (contemporary dance) parallel to her unique artistic system worldwide, Contemporary Synchro Art, one which combines principles of synchronized swimming with contemporary dance. She currently lives in Montreal, Qc and she dances for Nina & Co, coaches synchronized swimming at Montreal Synchro Club and she creates Contemporary Synchro Art new project “EauMotion” with local artists.

www.maria-papathanasiou.com
www.facebook.com/mariasynchro

Duration: 3’03”

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Realização e Coreografia: Maria (Mantia) Papathanasiou
Interpretação: Dimitra Nousi
Edição: Philipus Evangelou

Wr (CsA) ycle é uma experimentação criativa em “estética aquática”, evoluindo no cruzamento da dança contemporânea com a natação artística.
Cair na água, através da água, arriscando colisões. Nascemos na água, nosso corpo é água, mas muitas pessoas ganham desconforto e medo de asfixia quando estão na água. Carregamos essas experiências como espetadores engajados. Nossa tensão é aliviada quando ficamos com a calma e a beleza da natação, longe do barulho e do ritmo agitado da vida moderna. Wr (CsA) une as memórias da vida através de um corpo de dança que se move continuamente e sem problemas. Um corpo na água, permitindo deriva livre e contínua, mudanças de posição e distribuição. Um corpo entrelaçado que se move em tantas direções. As qualidades de esforço / energia em águas profundas; de quietude e ação sem perder a capacidade de flutuar. Afundando e flutuando, caindo e ficando parado, uma lembrança de nascer de novo.

Maria (Mantia) Papathanasiou é bailarina e coreógrafa, nascida em Atenas. Formou-se na Escola de Dança Profissional de Niki em Kontaxaki e foi campeã de natação sincronizada. Tendo ensinado dança e natação sincronizada às equipes nacionais da Grécia, Alemanha, Itália e Turquia, coreografou para encontros internacionais, campeonatos mundiais e para as preliminares dos Jogos Olímpicos de Londres 2012.
Em 2011, fundou a Dance Team Ametakinit(R)o com o seu sistema artístico único em todo o mundo, o Contemporary Synchro Art, que combina princípios de natação sincronizada com dança contemporânea. Atualmente mora em Montreal, e dança na Nina & Co, treinando natação sincronizada no Montreal Synchro Club e cria o novo projeto Contemporary Synchro Art “EauMotion” com artistas locais.

www.maria-papathanasiou.com
www.facebook.com/mariasynchro

Duração: 3’03”

photo/foto: Ragged Pictures

Align |GB|

Direction: Rachel Wolfe
Choreography: Bess Noakes-Kettel
Pole Dancer: Holly Weston
Ballet Dancer: Casey Nokomis Pereira

‘Align’ is a conceptual dance film that presents two radically different dance forms: ballet and pole dance. Starring Californian born professional ballet dancer Casey Nokomis Pereira and British actress and dancer Holly Weston, our black and white film is set in a North London studio and cuts back and forth between the two dancers whilst they rehearse their sequences. The juxtaposition between the two crafts is demonstrated throughout, but our cinematographic choices also allow the audience to see the parallels between the two crafts and between these two women who are united in numerous ways, including rhythm, gracefulness and athleticism.

Bess Noakes-Kettel is a London born British Choreographer and Professional Dancer. She originally began her dance training at a young age, specializing in classical ballet, contemporary and jazz. Throughout her career she has worked on a variety of projects including theatre, music videos, commercials, and feature films. Previous credits include NFL London, Sony Pictures Networks Productions and Choreography for Newmarket Racecourses. She has now begun to broaden her horizons and take her choreographic talents to new and exciting projects and use all her personal knowledge and training in her creations. She is currently working on her choreographic portfolio and is currently in the first stages of producing a one-off stage show.

R.E. Wolfe is a British film maker based in London. Beginning ballet lessons at age two and with a flair for all things musical, at age nine she landed a professional singing role in a West End performance of Peter Pan. She continued to have an active involvement and interest in acting, writing, and performing arts throughout her education, immersing herself in dance societies, theatre choreography and creative writing workshops.
After graduating with a Bachelor’s Degree in English Literature in 2007, she went on to do a Master’s Degree in applied Psychology (Psychoanalytic Studies). Course Director and Jungian analyst Christopher Hauke’s avid interest in the unconscious processes involved in film making and his academic contribution to this subject area inspired her greatly and ignited an interest in filmmaking.
She went on to do a Soho based course in cinematography and shortly after landed a co-producer role in short action thriller ‘Eden Grey’ which screened at the Artemis Women in Action festival in Los Angeles in 2018. In 2019 she completed the Producer’s Foundation Certificate at Raindance in London in preparation for her involvement as a producer in an upcoming action feature film to be shot in 2020. “Align” is Wolfe’s directorial debut and is a film that was born from her lifelong love of dance in all its forms; a project that is deeply personal. But she also hopes that audiences comprising of dancers and non-dancers alike will be able to relate to the underlying metaphors in this film.

Duration: 7’22”

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Realização: Rachel Wolfe
Coreografia: Bess Noakes-Kettel
Interpretação (no varão): Holly Weston
Interpretação (dança clássica): Casey Nokomis Pereira

“Alinhar” é um filme de dança conceptual que apresenta duas formas de dança radicalmente diferentes: ballet e dança de varão. Estrelando a bailarina profissional californiana Casey Nokomis Pereira e a atriz e bailarina britânica Holly Weston, este filme a preto e branco passa-se num estúdio no norte de Londres e alterna entre as duas bailarinas que ensaiam as suas sequências. Observa-se a justaposição entre as duas, mas as escolhas cinematográficas também permitem que o público veja os paralelos entre as duas atividades e entre essas duas mulheres que estão unidas de várias maneiras, incluindo ritmo, graciosidade e atletismo. Este é um filme que nasceu do amor pela dança em todas as suas formas; um projeto que é profundamente pessoal.

Bess Noakes-Kettel é uma coreógrafa e bailarina profissional britânica nascida em Londres. Começou sua formação em dança ainda jovem, especializada em dança clássica, contemporâneo e jazz. Ao longo da sua carreira, trabalhou numa variedade de projetos, incluindo teatro, videoclipes, publicidade e longas-metragens. Recentemente começou a ampliar seus horizontes e levar os seus talentos coreográficos para projetos novos e emocionantes.

Rachel Wolfe é cineasta, britânica, baseada em Londres. Tendo começado com aulas de dança clássica aos dois anos de idade e com talento para a música, aos nove anos conseguiu um papel profissional, cantando numa performance de Peter Pan no West End. Continuou a ter um envolvimento ativo e interesse em atuar, escrever e fazer arte ao longo de sua educação. Depois de se formar em Literatura Inglesa em 2007, fez um Mestrado em Psicologia Aplicada (Estudos Psicanalíticos). O ávido interesse do diretor do curso e do analista junguiano Christopher Hauke ​​nos processos inconscientes envolvidos na produção de filmes, e a sua contribuição académica para essa área de atuação inspiraram-na muito e despertaram o interesse em fazer filmes. Fez um curso de cinema no Soho e pouco depois conseguiu um papel de co-produtora na curta metragem de ação ”Eden Gray”. Estudou produção, com vista ao trabalho como produtora de cinema. “Align” é uma estreia na realização.

Duração: 7’22”

photo/foto: Play Bleu

Don’t look |FR/PT|

Direction: Paulo Henrique & Play Bleu
Choreography and Performance: Paulo Henrique
Image, Camera and Edition: Play Bleu
Photography and Graphic Video Design: Play Bleu
Music: Fischerspooner
Re-edit: Play Bleu
Producer: Paulo Henrique, Arte Total
Production: Play Bleu, Arte Total
Artistic Residency: Arte Total, Braga

“Repetition changes nothing in the object repeated,
but does change something in the mind which contemplates it.” Gilles Deleuze

Conceived in partnership with photographer and graphic designer Play Bleu, the film focuses on a character in a specific frame/period of time. The use of the classical photographic frontal angle set at two distances, accumulating the gestures of the character’s movement observed behind broken translucent glass, filmed from inside and from outside of the broken glass space. The frontier works as a new screen for the viewer, evoking the political and social association with the current world, where the repetition of the media images echoes the fluidity of their distribution in contrast with the static space and enclosure that the body is observed in its own real nature. In this visual and sound environment, the film suggests other images corresponding to the individual experience of each viewer and the way they might or might not look, resonating through the repetitions of body image in the created visual space as the real body that has no place of its own when becoming an image.

Paulo Henrique is a Portuguese choreographer and multidisciplinary artist (performance / dance / video / multimedia). He received a scholarship from Gulbenkian Foundation and the National Culture Centre for the Lee Strasberg Theatre Institute. In New York he participates / collaborates in projects by Meredith Monk (voice), Trisha Brown (dance) and Robert Flynt (photography). He also attended Film & Video Art.
In the last few years, Paulo Henrique has been creating a very personal work, creating performances / installations, in which the body, the word, the image, the plastic arts and the new technologies are confused in a new hybrid form. His work is archived in the Digital Performance Archive (DPA), a survey by Nottingham Trent and then Salford universities. It was also mentioned in several publications, magazines and books with emphasis on “TeDance” by Daniel Tércio, FMH 2009. Lives and works in Paris.

Play Bleu, born in Braga, starts his training with a multimedia course at Escola Profissional de Braga (1996). Later he attended the photography course at the Artistic School in Vila Nova de Cerveira (1999), completing his training with a multimedia course at the Artistic and Professional School Tree in Porto (2005).
Noteworthy is the partnership of projects with Escola Arte Total, which provided him with the opportunity to work, in the context of “Guelras” project, with several national and international choreographers, among them: Maria Inés Villasmil, Valentina Parravicini; Peter Micahel Dietz, Romulus Neagu, Paulo Henrique, Carlota Lagido, Gabriela Barros, etc. and the creation / creation of the video for “Escadas Zero” at Theatro Circo in Braga.
By invitation of the Gulbenkian Foundation, Instituto Camões and Casa de Portugal, together with the choreographer / dancer Paulo Henrique, he presented a project in Paris, winning the Creativity / Shair award, from the Fast Forward festival (Braga 2014).

www.paulo_henrique.tripod.com
www.facebook.com/paulo.henrique.performance

Duration: 3’31”

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Realização: Paulo Henrique & Play Bleu
Coreografia e Performance: Paulo Henrique
Imagem, câmara e edição: Play Bleu
Fotografia e Design Gráfico de Vídeo: Play Bleu
Música: Fischerspooner / Reedição: Play Bleu
Produtor: Paulo Henrique, Arte Total
Produção: Play Bleu, Arte Total
Residência Artística: Arte Total, Braga

“A repetição não altera nada no objeto repetido,
mas muda algo na mente que o contempla “. Gilles Deleuze

Concebido em parceria com o fotógrafo e designer gráfico Play Bleu, o filme enfoca um personagem em um período de tempo específico. O uso do ângulo frontal fotográfico clássico é definido a duas distâncias, acumulando os gestos do movimento do personagem observado por trás de um vidro translúcido quebrado, filmado de dentro e de fora do espaço de vidro quebrado. A fronteira funciona como uma nova tela para o espectador, evocando a associação política e social com o mundo atual, onde a repetição das imagens dos média ecoa a fluidez da sua distribuição, em contraste com o espaço estático e o recinto em que o corpo é observado na sua real natureza. Nesse ambiente visual e sonoro, o filme sugere outras imagens correspondentes à experiência individual de cada espectador e à aparência delas, ressonando através das repetições da imagem corporal no espaço visual criado como o corpo real que não tem lugar.

Paulo Henrique, é um coreógrafo e artista multidisciplinar [performance/ dança / vídeo/ multimedia]. Foi bolseiro da Calouste Gulbenkian e do Centro Nacional de Cultura para o Lee Strasberg Theatre Institute. Em Nova Iorque participa/colabora ainda em projectos de Meredith Monk (voz), Trisha Brown (dança) e Robert Flynt (fotografia). Frequentou ainda o Film&Video Art.
Nos últimos anos, Paulo Henrique tem vindo a criar uma obra muito pessoal, criando performances / instalações, em que o corpo, a palavra, a imagem, as artes plásticas e as novas tecnologias se confundem numa nova forma híbrida. O seu trabalho está arquivado no Digital Performance Archive (DPA), uma pesquisa das universidades Nottingham Trent e em seguida, Salford que realizaram uma coleta significativa e análise de eventos de performance digital e seu desenvolvimento durante os anos 90 e que foi e sobretudo mencionado no livro “Digital Performance”[1] de Steve Dixon, MIT press 2007. Foi ainda mencionado em várias publicações, revistas e livros com destaque para “TeDance” de Daniel Tércio, FMH 2009. Vive e trabalha em Paris.

Play Bleu, natural de Braga, inicia a sua formação com o curso de multimédia na Escola Profissional de Braga (1996). Posteriormente frequentou o curso de fotografia na Escola Artística em Vila Nova de Cerveira (1999), completando a sua formação com o curso de multimédia na Escola Artística e profissional Árvore no Porto (2005).
Destaca-se a parceria de projetos com a Escola Arte Total, que lhe proporcionaram a oportunidade de trabalhar, no âmbito das Guelras com vários coreógrafos de referência nacional e internacional, entre eles: Maria Inés Villasmil, Valentina Parravicini; Peter Micahel Dietz, Romulus Neagu, Paulo Henrique, Carlota Lagido, Gabriela Barros, etc. e a realização/criação do vídeo do espetáculo Escadas Zero no Theatro Circo em Braga.
A convite da Fundação Calouste Gulbenkian, Instituto Camões e Casa de Portugal, apresentou em conjunto com o coreógrafo/bailarino Paulo Henrique um projeto em Paris, nesse mesmo ano ganhou o prémio Criatividade/Shair, do festival Fast Forward (Braga 2014).

www.paulo_henrique.tripod.com
www.facebook.com/paulo.henrique.performance

Duração: 3’31”

With comments by the authors.

Total duration: +/- 55′
Ages: 6 and above
Free access, with recommended reservation

Information and reservations: 212 583 175 | reservas.cada@gmail.com

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Com comentários dos autores.

Duração total: cerca de 55′
Faixa etária: Maiores de 6 anos
Entrada livre, com reserva recomendada

Informações e reservas: 212 583 175 | reservas.cada@gmail.com